Perros Muertos

Casa del viento

Por: Eugenia Aceves

Perros muertos es un grupo de música  de un género llamado new folk mejico como ellos lo llaman y escriben, sus canciones son llamativas con buen ritmo y con letras originales que se relaciona con la crítica hacia la sociedad en la que vivimos y también cuentan historias con la que todos nos podemos relacionar un poco.

Estos cuatro participantes de la banda muestran una muy buena energía en el escenario y con sus instrumentos, los cuales no  es muy común ver a estos interactuar entre ellos, como sería la guitarra eléctrica, el violín, la batería o la caja de acuerdo a algunas canciones y la mandolina, logrando una experiencia auditiva nueva y agradable al oído que nos muestra un poco de rock and roll y aun así nos lleva a nuestras raíces folclóricas mexicanas. Durante la presentación los artistas nos hablaban de sus ideales y nos compartieron un poco de su filosofía, la cual se muestra en su forma de cantar y actuar en el escenario, la cual es viva lo verde, la naturaleza, la buena vibra y el pulque.

Esta banda se mostró muy a gusto con el público, ya que lo complació varias veces logrando que  se mostrara cada vez más efusivo y entusiasmado.

غريبة  (ghareebah / extraño)

Kamilya Jubran & Werner Hasler (ومضة / Wameedd, 2005)

Por: Carlos H. Babún

Cuando salgo a encontrar la luz, la sombra de mi cuerpo me sigue, pero la sombra de mi espíritu me precede y me guía hacia un lugar desconocido buscando cosas más allá de mi entendimiento, y asiendo objetos que no tienen sentido para mí.

Yibrán Jalil Yibrán

Tonos sintéticos, suaves y sutiles, expanden un ambiente de intimidad en nuestros oídos. Una vez ahí emerge, cual susurro, una voz femenina que en árabe desdobla su nostalgia:

Soy ajena a este mundo, una ajena, y hay en mi exilio una severa soledad y una dolorosa tristeza.

Tomando de un fragmento de La tempestad (entre noche y día) del gran poeta libanes Yibrán Jalil Yibrán, Kamilya Jubran y Werner Hasler componen la canción Ghareebah (extraño), con la cual inician su primer disco juntos, llamado Wameedd (destello de luz).

De ascendencia palestina, Kamilya nació en Akka, Israel. Su padre, un auténtico luthier y maestro, fue su puerta a la música árabe clásica. Además, por veinte años perteneció al grupo Sabreen, mítico estandarte de resistencia y experimentación musical palestino. Por su parte Werner, suizo, combinó sus raíces en el jazz con la música electrónica, colaborando con proyectos y músicos tan diversos como el ballet en el Teatro de la Ciudad de Berna y el diseñador sonoro japonés Sunao Inami.

Esta fusión impacta en Ghareebah, en la que él crea sonoridades a partir de minuciosos recursos electrónicos y digitales, conformando una atmosfera cálida y mística, a la vez que ella explora sensiblemente sus propios territorios, las huellas de lo que podría haber sido, sus rupturas y sus líneas de fuga. Música y voz se rozan y acarician con sensualidad, mas nunca erosionan sus propias texturas.

El exilio duele. Saberse desposeída de su propia tierra es una carga pesada que requiere cartografiar ilusiones que mitiguen su gran pena. Dando voz a Jalil Yibrán -quien vivió también en un eterno destierro- ella confiesa:

Estoy sola, pero en mi soledad contemplo un país desconocido y encantador, y esta visión llena mis sueños de espectros de una tierra grande y lejana que mis ojos nunca han visto.

Esta búsqueda requiere otros planos y espacialidades que permitan llegar a un sitio seguro. Al trabajar junto con Werner, Kamilya encuentra un páramo en el cual desplegar sus raíces, los ecos y las voces que en su historia carga. Sin embargo ese terreno no es propio y el exilio parece una condena:

Soy una extraña en este mundo; recorrí el Universo de punta a punta, pero no pude encontrar un lugar donde aposentar mi cabeza; ni conocí a ningún humano con el que pudiera confrontarme, ni a un individuo que pudiera escuchar mis pensamientos.

¿Puede la música componer nuevos territorios? ¿Es la voz capaz de dar asilo a quienes se niegan a que la ocupación de su pasado impida su devenir?

Cual destello de luz, un laúd cierra la pieza, alumbrando una meseta segura en el horizonte.

Video de Ghareebah

Letra de la canción

Fragmento de La tempestad (entre noche y día), de Yibrán Jalil Yibrán

Gabriela García Muñoz

El arte es el pleno gozo con el que la belleza se expresa a sí misma;
y su creación, la más real semejanza del hombre con la Divinidad.
-G. Agudelo

Graciela Agudelo es una compositora mexicana que además se ha dedicado a la pedagogía, la educación y difusión de la música por diferentes medios.  Ha producido programas radiofónicos y en su labor como escritora ha realizado libros tanto de carácter literario como didáctico. Su catálogo incluye obras para orquesta, voz, instrumentos solistas, grupos de cámara y  música con fines didácticos.

“Invocación” es una pieza para Violonchelo solo. El discurso del instrumento es bellísimo. Los silencios y las cadencias por las que son antecedidos, así como los inicios de cada frase sorprenden de una manera sutil, tan atinada que resulta muy fácil disfrutar la obra. Es una pieza de carácter espiritual e íntimo, su gracia consiste precisamente en su aparente sencillez. El ritmo, las cadencias y las dinámicas que van cambiando de manera gradual aunadas al hermoso sonido del instrumento, llevan al oyente a través de la pieza sin dificultad, como si ésta se hiciera cargo de guiar a través de ella el pensamiento del espectador. Invita a quien la escucha a conectarse con su interior y cuando finaliza lo hace de una forma tan limpia y clara que deja con un buen sabor de boca y ganas de seguir escuchando.

http://www.youtube.com/watch?v=eKPzuWRW0Tg

“Hablemos del sexo… opuesto.”

POR: MAYRA ANTONIA VALDIVIA MIRANDA

El pasado 29 de noviembre “La Hidra” presentó la última función de su temporada de teatro en atril “Hablemos del sexo… opuesto”. Los textos que los actores leían y dramatizaban se presentaban en cuatro actos distintos, donde trataban el tema principal de las relaciones amorosas, de lo que las mujeres piensan y hablan de los hombres entre ellas, y de igual forma lo que los hombres dicen de ellas cuando están solos. Son dos horas en las que se presentan relatos muy de la vida cotidiana, del pensamiento general de los hombres y mujeres, una obra sin duda muy apegada a la realidad y con su toque cómico.

Su vestuario neutro a blanco y negro, sin escenografías solo unos bancos y atriles, unas botellas de cerveza y copas de vino como utilería. Bajo la dirección de Enrique Torres Gutiérrez y con los textos y adaptaciones originales de Armando Cuauhtli, este grupo de teatro sin duda alguna logra que el teatro en atril sea verdaderamente disfrutable para el público, ofreciendo la oportunidad de escuchar el teatro desde su origen que es el texto creado por el dramaturgo, cosa que ya no es tan común de ver en esta disciplina artística.

Por: Lupita González

Memoria de mis putas tristes.

Año: 2011

Duración: 96:03

País: Mexico

Dirección: Henning Carlsen

Guion:Jean-Claude Carrière, Henning Carlsen (Novela: Gabriel García Márquez)

Actuaciones: Emilio Echevarría, Geraldine Chaplin, Paola Medina, Luis Miguel Lombana, Diego Zinker, Olivia Molina, Ángela Molina, Evangelina Martínez, Evangelina Sosa Martínez, Alejandra Barros, Arturo Beristain, Dominika Paleta.

¿Enamorarse por primera vez a los 90 años que perdida de vida fue, recorrerlos sin amor  o qué gran premio antes de morir?

En filme de 96:03 minutos nos cuenta la novela escrita en 109 páginas de Gabriel García Márquez,  Bajo la dirección de Henning Carlsen.

“El sabio”  con actuación de  Emilio Echeverría  nos muestra la historia de un anciano que al cumplir 90 años de existencia decide regalarse una noche “amor loco” con una  joven virgen y no duda en llamar a Rosa Cabarcas quien era dueña de una casa de citas  clandestina y quien podría ofrecerle  lo que busca. Cumpliendo la petición “el sabio” es complacido ante tal capricho  con una joven virgen de tan solo 14 años.

Los encuentros entre el sabio y “Delgadina”  no tiene tal triunfo imagino, dejándonos con el asombro de un  amor inesperado.

Durante  la película narra gran parte  de la obra original literaria acortando un poco los diálogos y la secuencia de la historia pero sin perder la narrativa original. Dando un  peso mayor  a diferencia de la novela  a “Delgadina” contándonos en la película un poco más de ella, déjanos  ver también el amor por “el sabio”.

La película cumple el objetivo de mostrar la historia “Mis putas tristes” con algunos cambios  pero sin perder el sentido de la novela, narrando un amor extraño pero no imposible, contando al igual que la novela  la vida aventurera de un periodista de “El Diario de la Paz”  que  hasta  sus  largos noventa años encontró por primera vez el  amor, a pesar del trascurso de su vida, canceló una boda donde exactamente cumpliría lo que su madre difunta le pidió, casarse, tener  3 hijos  y llamar a una de ellas Florina como su madre y abuela, acto que no cumplió por la aventurada y precoz vida que llevo,  donde más de una vez pudo encontrar  una mujer para no  recorrer esos 90 años solo, pero que el tiempo le trajo un amor joven y ocultamente correspondido.

John Currin

Por: Elizabeth Aparicio Díaz

En el mundo del arte contemporáneo, la pintura necesita refrescarse y tomar nuevos aires para poder seguir la evolución artística y no quedarse rezagada, ya que erróneamente asociamos lo “contemporáneo” con la instalación o el uso de nuevos medios.

John Currin es un artista norteamericano que va escalando poco a poco en los altos círculos del arte; su obra lejos de ofender causa cierto humor, no sabemos en que momento deja de ser algo “pornográfico” y pasa a ser una pieza artística.

Esta obra en particular nos remite al renacimiento, pues el cuadro es trabajado al estilo manierista, lo que podemos apreciar por el alargamiento de las extremidades, el abultamiento del abdomen y los cabellos sueltos al muy estilo de Boticcelli.

Los tonos, los cuerpos inmaculadamente blancos, los detalles, incluso el fondo negro hacen resaltar a las dos mujeres que están en el cuadro; las poses son sugerentes, pareciera que el momento que capta Currin, no es un momento de “posar” sino un descanso que tomaron antes de seguir con la sesión.

La pintura nos muestra ese otro lado de las modelos, donde no están privadas de los placeres carnales, las caricias y los rostros pícaros, rompen con el ideal plasmado en la pintura renacentista, ya que muestra ese lado oscuro de las “delicadas” damiselas que tan acostumbrados estamos a ver.

El trabajo de John Currin es ambivalente y controversial, en primer lugar por los tópicos que utiliza, ya que son netamente sexuales, y por otro lado, el manejo y la técnica que aplica al estilo de los pintores del s. XV pero enfocándolo en temas actuales, encontrando en las escenas  sexuales la mejor manera de hacer una sátira de la pintura de esa época. 

Público Segregado según sus ingresos

Por: Elizabeth Aparicio Díaz

El capitalismo mueve al mundo, el dinero es un factor que dota a las personas de “estatus social”, dinero al que le adjudicamos nuestras expectativas, usándolo para diferenciarnos unos de otros, y permitirnos alienar a una sociedad en la que el ingreso marca el sector al que pertenecemos, mundo donde las minorías no tienen espacio y son relegadas, como si se tratase de seres inferiores.

Santiago Sierra, artista español muestra un peculiar interés por apuntar hacia esta segregación social, víctimas de la marginación económica; en esta ocasión hablaré un poco de su obra “Público segregado según sus ingresos”, performance que se llevó a cabo en el Instituto Cervantes de Berlín Alemania, donde se colocó en la entrada a un simposio un cartel con la indicación de qué entrada debía tomar el público, de acuerdo a sus ingresos en relación a 1000 euros, los que tuvieran  un ingreso menor al de la cifra mencionada estarían en la sala, pero con una barrera que los separaría de los que tuvieran mayor ingreso, es importante mencionar que los ponentes se encontraban dando la conferencia en el área de “los privilegiados” y los segregados solo se conformaban con escuchar.

Esta acción denota discriminación, sin embargo es lo que el artista intenta mostrar, todos en algún momento hemos visto a personas de menor ingreso económico con cierto recelo, no es exclusivo de gente acaudalada; es una cadena interminable, ¿somos ricos en comparación con quién?, esa es la pregunta que Santiago Sierra manifiesta en sus obras. ¿Quiénes somos para segregar a la gente?, este repudio lo hacemos porque en algún momento lo hemos sufrido, y como cadena sin fin, queremos desquitar nuestra frustración con alguien más.

La crítica al capitalismo es constante en su obra, ya se había visto en trabajos anteriores, donde Sierra contrata a personas para realizar alguna tarea absurda o denigrante, haciendo énfasis en la falta de empleo y la manera como son explotados los trabajadores, que sin importar la faena que tengan que hacer la realizan porque no hay otras opciones, poniendo en evidencia la precariedad laboral que obliga al trabajador a aceptar la explotación y los sueldos bajos.

Sierra trabaja con la intención de fundir arte con economía; capitalismo y explotación; discriminación con opulencia y finalmente lo logra de una manera magistral, que confronta, molesta y sugiere al público ver a través de las minorías segregadas; sin embargo es hilarante pensar que la mayoría de la gente que adquiere sus obras están ubicados en la esfera del poder. Crítica y goce en una sola pieza.