lunes, 10 de diciembre de 2012

La Virgencita de Arvo Pärt
Por: Mónica Luna

Como parte del programa del Concierto Homenaje a Arvo Pärt, llevado a cabo en el marco del 40º Festival Internacional Cervantino, el compositor, como agradecimiento y con motivo de su primera visita a México, unas semanas antes, decidió incorporar una nueva pieza.

“Virgencita” es el título de esta obra para coro polifónico, a capella, que el compositor Estonio estrenó este 18 de octubre en el Teatro del Bicentenario.

Se trata de una invocación a la Virgen de Guadalupe, compuesta en español, en la que se implora a la Reina del Cielo que interceda por la humanidad ante Dios Padre.

Ya sea por su belleza estética, por la fe que en algunos despertó o por la emoción de que un compositor de la talla de Pärt estrenara una obra en nuestro Teatro, expresamente para la ocasión y utilizando nuestro idioma, esta obra conmueve a los escuchas, llevando a muchos, en ciertos casos, a las lágrimas.


El lamento de Adán resuena en el Teatro Bicentenario
Por: Mónica Luna

Este 18 de octubre, en el marco del 40º Festival Internacional Cervantino se llevó a cabo en las instalaciones del Teatro del Bicentenario en concierto Homenaje a Arvo Pärt, con la participación del Coro de Cámara Filarmónico de Estonia y la Orquesta de Cámara de Tallínn.

El compositor estonio, que estuvo presente en el evento, tiene una larga trayectoria durante la cual ha experimentado con varios estilos.

“El lamento de Adán”, originalmente estrenada en junio de 2010 en el Festival Internacional de Música de Estambul, habla de la expulsión del hombre del Paraíso, Adán se lamenta por haber perdido la gracia de Dios y se pregunta qué será del hombre ahora que está condenado a vivir fuera del Edén.

Sobre esta obra, El autor dice:

“Para mí, el nombre Adán es un término colectivo no sólo para la humanidad entera, sino para cada individuo, sin importar el tiempo, la era, la clase social o la filiación religiosa. Y este Adán colectivo ha sufrido y se ha lamentado en esta tierra por milenios. Nuestro ancestro Adán previó la tragedia humana por venir y la vivió como su propia responsabilidad culpable, el resultado de un acto pecaminoso. Sufrió todos los cataclismos de la humanidad hasta las profundidades de la desesperación, inconsolable en su agonía.”

Esta obra, cuyo estilo remite al renacentista, mueve al oyente a la compasión, a identificarse con el dolor de Adán. Con texto en estonio, la retórica musical se encarga de traducir el discurso a un lenguaje universal.


Una guerra por el Hielo Negro.
Por: Mónica Luna

Bef nos narra en este libro la historia de dos mujeres mexicanas fuertes y decididas, pero con motivaciones muy distintas, cuyos caminos se cruzan de una manera bastante peculiar.

Por un lado, Lizzie, una hermosa amante del arte contemporáneo que resulta ser la heredera de un poderoso cártel dedicado a la venta y elaboración de drogas y que ahora busca fabricar Hielo Negro, la droga sintética más poderosa, sin importar por encima de qué o de quién tenga que pasar.

Por otro lado, Andrea, una irreverente policía que hará cualquier cosa por atrapar a Lizzie, más que por el cumplimiento de su deber, por una venganza amorosa.

Sus destinos se cruzan por casualidad, pero al final sólo una de ellas podrá obtener lo que quiere.

Hielo Negro, de Bernardo Fernández, “Bef”, es una novela policiaca que mezcla algo de ciencia ficción para crear una historia interesante y divertida que bien podría llegar a ocurrir en nuestro país en cualquier momento.

Fernández, Bernardo.
“Hielo Negro”.
Editorial Grijalbo
México 2011
ISBN 978-607-310-523-1

sábado, 8 de diciembre de 2012

A Serbian Film (10/Nov/12 en casa)
Por: Ivonne Carolina Jasso Juárez

Título Original: Srpski Film
TEMÁTICA: Gore, Torturas, Snuff, Sexo, Violencia, Locura, Misterio
PAIS: Serbia
DURACION: 110 Minutos
AÑO: 2010


A Serbían Film es una película de producción serbia como lo dice el titulo de la película de los escritores Aleksandar Radivojevic y Srdan Spasojevic producida en el 2010 lo cual impacto y dio una polémica exagerada, considera por los cinéfilos como una de las mejores películas de horror y gore, su impacto no es tanto por el contenido de sangre en las escenas, es lo inmoral, crudo y desgarrador que toda la filmación conlleva, siendo amada o odiada por  quienes logran verla, me fue recomendada por  varias personas, por el manejo de su realidad, como ya lo mencione.

Esta producción, se lleva a cabo en el amado Servia, donde un antiguo actor porno llamado Milos, es el icono servio en porno más importante, amado por sus excompañeras de trabajo, y retirado para llevar una vida normal al lado de su hijo y esposa, Milos es tentado a regresar a la escena como actor porno invitado por una vieja compañera, a sabiendas de sus problemas económicos, él se cita con el director y mente creativa que quiere llevar al porno a otro nivel, no que se vea solo como comercio, sino como arte, dentro del círculo de unos cuantos, llevando a Milos a un extremos de locura, en contra de su  voluntad, involucrando un giro a su vida y el de toda su familia.

Las escenas gore son muy limpias, el contexto que la película lleva es una secuencia de regreso, como recordar cada instante desde el primer dolor de cabeza y  confusión siguiendo hilos de historia, las tomas son profundas y muy limpias, lleva desnudos y bastante sangre, es bastante opaca la imagen, dando a entender lo crudo, o lo pálido del instante en que las escenas se tensan, la música es un factor muy importante en esta producción, es profunda, exacta para cada escena la oscuridad es un factor de riesgo, el anonimato, y sobre todos los pequeños videos que en la misma película se dan, llena de simbolismos que para el "director" fueron significativos para el desarrollo de la historia, parece lenta al principio, pero lleva una agilidad muy buena en cuanto avanza, disfrute mucho de sus contenido, es como termina un buen cuento de suspenso, donde las dos últimas líneas definen toda la historia, y lo que pensaste al principio no era lo esperando, A Serbian Film amada u odiada por cruda y despiadada pero jamás completamente mala.
Cervantino lleno de "Estatuas Viviente"
12 de octubre
Por: Ivonne Carolina Jasso Juárez

El cervantino es uno de los eventos más importantes del estado de Guanajuato en cuanto a cultura, lleno de eventos culturales, obras de teatro, música, invitados de otros países, la diversidad  es lo se comparte en estas fechas, dejando que la creatividad de los invitados se mezcle con esta extraordinaria ciudad por una corto periodo pero sustancial para los visitantes.

La magia que se encontraba en el cervantino, era de precios en su mayoría accesible, dentro  y fuera de plazas, teatros y otros lugares de Guanajuato la participación de grandes  orquestas, predomino mucho la música, siendo una vista general de lo que es el corazón de cervantino, los primeros días miles de jóvenes, de todo el país, se juntan para llevarse la experiencia, pasando de 1 a 4 días dentro de la ciudad. Auque la reputación del evento decae por el excesivo consumo de alcohol, no deja de tener el objetivo de todos los años.

En su edición 40 algo que realmente invadió la ciudad fueron un tipo de expresión teatral, mas como un Performance, que todos conocemos con "estatuas vivientes", la ciudad esta llena de ellos, representando  personajes conocidos o en su experiencia mas grata, muy originales, el concepto de el ínstate irrepetible,  una innovación de Performance individual, hace las circunstancias adecuadas para su desempeño, pintando su cuerpo y no diciendo ni una palabra.

Este tipo de expresión, es muy nueva por lo menos en la ciudad, recuerdo haberlo visto por primera vez, unos 4 años en la Feria de León Guanajuato, siendo muy simple, pidiendo monedas, no  se desarrolla como una expresión que tenga reglas o movimientos repetidos, cada expresión es completamente diferente, sus ideas las proyecta  corporalmente como lo pudiera hacer una bailarina de ballet, quede bastante impresionada puesto su gusto por expresar el arte a su manera, porque no son 1 o 2 horas en posiciones muy complicadas son horas, nos toco  interactuar con ellos, retroalimentándonos, con que su arte se expresaba de una sola forma y simple forma en silencio.

viernes, 7 de diciembre de 2012

Por: Mateo Trueba
La caricatura en México es un tema que es digno de admirarse y prestar especial atención ya que tiene una historia sumamente interesante debido a las críticas sociales que en ella se reflejan. Podemos citar a caricaturistas como Guadalupe Posada, por sus grabados de calaveras revolucionarias; o a el mismo Abel Quezada, más moderno que Posada pero con creaciones de personajes tan ilustres como el perro Solobino, los aristócratas de anillos gigantes en la nariz o “el tapado”, todos representando situaciones sociales de México y el mundo.
         José Trinidad Camacho Orozco (1961), alias “Trino” y José Ignacio Solórzano (1963) “Jis” representan ahora la caricatura mexicana a nivel internacional con la realización del filme animado “El Santos v.s LA Tetona Mendoza” debido a la popularidad de las tiras cómicas de mismo nombre que han alcanzado mucho éxito entre los lectores amantes de humor negro y ácido.
         La idea original de “El Santos” consiste en un luchador enmascarado que combate contra quien amenace la humanidad. Santos no tiene ninguna habilidad sobrenatural ni nada por el estilo, él representa al mexicano, el folklore del país con su lenguaje florido muy mexicano por usar palabras como chido, chale, chingar (con sus derivados), etc. y con mucho albur. La Tetona, por su parte,  es otra luchadora, rubia, con el pecho descubierto y sin mascara que provoca pasiones y problemas entre el Santos y los otros personajes de universo de Trino y Jis.
         La versión cinematográfica se estrenó el 30 de noviembre del 2012, estuvo dirigida por Alejandro Lozano y contó con la participación en el doblaje de: Daniel Giménez Cacho (el Santos), José María Yazpik (el Peyote Asesino), Regina Orozco (La Tetona Mendoza), Héctor Jiménez (el Cabo), Damián Bichir, Bruno Bichir y Odiseo Bichir (los hermanos Gutierrez); y Guillermo del Toro (Gamborimbo Ponx). Los seguidores de las tiras cómicas originales estarán contentos con la adaptación al cine ya que no pierde el toque ácido en ningún momento. Por otro lado, las personas que no conocen al Santos y deciden ver la película no tendrán problema alguno en entenderla ni en adopatar los personajes pues el filme es muy directo y fácil de digerir cuanto a los personajes se refiere.
         El Santos v.s La Tetota Mendoza es una película que contiene muchos de los temas de actualidad, como los problemas sociales y como la “moda zombi” de la que hemos sido víctimas estos últimos años. De hecho los zombis que aparecen tanto en las tiras cómicas como en la película, representan a la mayoría de la población mexicana ya que son ellos los que consumen la publicidad barata, el entretenimiento de las masas.
         Esta película me parece una muy buena recomendación para aquellos que disfrutan del humor negro en los dibujos animados. Puede ser muy criticada por su humor tan grotesco, sin embargo, opino que aquellos que se quejan de eso simplemente son unos amargados... ¿pues que esperaban de una película basada en caricaturas de Trino y Jis?
Mario Moreno"Cantinflas”
Por: Marcelo Torres
Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes, mejor conocido como Cantinflas, es uno de los grandes actores (a veces me pregunto si realmente actuaba)  que ha tenido México, surgido de la época de oro del cine mexicano, le da vida a un proletario de ascendencia indígena, morenito con bigote y desaliñado, el personaje creado por este actor donde refleja ese sentido de humor blanco y que a todos nos roba una sonrisa, su sencillez y esa aparente ignorancia que suelta grandes verdades. Aspiró a representar el carácter del mexicano tal como decía el estado de entonces, como una persona “responsable, trabajadora, ligada y obediente del poder, dócil y simpática.
Fue dueño de dotes histriónicos inigualables, y dotado de un humor naturalmente original, que lo llevo a triunfar en varias partes del mundo,  únicamente detenido por la barrera del idioma, parte medular de su genial comedia. Su humor y comedia eran tan auténticos, que a Mario Moreno le basto y sobro con un único personaje para triunfar a lo largo de su gran trayectoria artística y humorística. Cantinflas hace un uso magnifico de la ignorancia en combinación con la lengua, tal fue su influencia no solo en México sino en todo el mundo de habla hispana, que su genio dio nacimiento a una nueva palabra abalada por la real academia de la lengua española. A lo largo de su vida Cantinflas se convirtió en el artista y Mario Moreno en solo su personaje.
Alabado por el propio Charles Chaplin, Cantinflas es sin duda para mí el mejor artista del buen humor, de todo el mundo de habla hispana. Recomendables todas sus películas, sobre todo las que son en blanco y negro.
PRIMER (Cine)
Por: Marcelo Torres

¿Has visto alguna vez la película de un verdadero genio?...

Pues  bien, esta película está hecha por lo que se puede considerar un genio, y no precisamente porque la película sea genial, sino, porque realmente el creador de esta película es un erudito, tal vez un superdotado. Shane Carruth  es un matemático y ex ingeniero, y ésta es la ficha técnica de la película Primer:

Direccion:   Shane Carruth. Produccion Shane Carruth. Guión: Shane Carruth
Música: Shane Carruth. Fotografía: Shane Carruth. Montaje: Shane Carruth
Protagonistas Shane Carruth: David Sullivan.

Para mí esto es digno de admirarse y la convierte en una película interesante por de faul, y más interesante aun, que la película haya sido  merecedora del Premio del Jurado en el Festival de Cine de Sundance de 2004. Otro dato interesante es el presupuesto para la película, ridículamente de solo 7 mil dólares, y sacando un balance entre este y la recaudación que genero  de 424.760 dólares, resulta que la película fue un verdadero éxito.

La trama de la película gira en torno al descubrimiento accidental de una maquina, que permite regresar en el tiempo, y  lo difícil que es controlar este gran poder para cualquier persona, así como las consecuencias que desencadena.

La película tiene algo que la hace creíble, de verdad a pesar de todo, es la más creíble película de viajes en el tiempo que he visto, no sé si es la manera cotidiana y accidental de presentar el descubrimiento de la maquina, o lo enrevesado que resulta el entender cómo funciona esta paradoja en particular. No es como en Volver al futuro o en la Máquina del tiempo de H.G Wells, esta forma de viajar en el tiempo es diferente, es complicada de entender; además los protagonistas utilizando todo ese lenguaje técnico y matemático casi todo el tiempo, hizo que a veces me fuera imposible seguir la trama, aunque también todo ese lenguaje, que al final es mera ambientación de la trama, le da mucha más credibilidad a lo que se ve.

En conclusión un ingenioso film de ciencia ficción que ya se ha convertido en película de culto, pero que tendrás que ver más de dos veces para entenderla (a menos que seas un genio)… más recomendable para los amantes del género, los demás correrán el riesgo de botarla a los 20 minutos, aunque vale la pena que corran el riesgo.
GATTACA (cine)
Por: Marcelo Torres

No existe gen del espíritu humano

Que puedo decir de esta película… me siento algo culpable de escribir una crítica de este filme, pues la palabra critica denota buscar algo negativo en ella y  de verdad para mí no hay nada que criticarle, aunque  fueran críticas constructivas. Pero aprendí en la escuela que no vale la pena  hacer una crítica de una obra que no te gusta;  pues bien, esta película  hace más que simplemente gustarme, me entusiasma, me emociona, casi puedo decir que me extasía,,,  así que no hare más que recomendarla.

“No existe gen del espíritu humano”… creo que no pudieron haber escogido mejor frase para presentar la película, porque toda la película gira en torno a comprobar esta afirmación. Con una dirección de arte sencilla y sobria pero muy ingeniosa (valedora de una nominación al óscar), presentan en un ambiente futurista, un tema interesantísimo de la ciencia ficción, que parece que ya nos ha alcanzado en nuestros días y que seguramente causara mucho estruendo en los próximos años. El tema de la manipulación genética en embriones humanos y dicho de otra forma bebes de probeta o a la carta.
La película es soberbia desde su interesante y atrapador inicio, hasta su brillante y conmovedor final; mantiene un hilo de tensión realmente agradable durante toda la cinta, que te conecta con el protagonista y deseas que conquiste su sueño por encima del mundo.
Gattaca es una inteligente película de ciencia ficción sumamente emotiva y muy bien lograda, la prueba de que no se necesita despilfarrar dinero para hacer buen cine de Ciencia Ficción.
Una banda sonora excepcional a cargo de Michael Nyman que acompañan perfectamente cada escena, una fotografía y unas imágenes que dejan sin aliento, y un guion  brillantemente escrito por Andrew Niccol, con diálogos que atrapan en todo momento, escenas que literalmente erizan el vello de la piel y sobre todo, lleno de frases para recordar… por todo esto hago una sincera invitación no solo a los amantes del género, sino a todo el público en general, a que vea este peliculón, que a mí me ha dejado en las nubes. De verdad mírala no quedaras indiferente.

. “Nunca entenderé qué fue lo que empujó a mi madre a poner su fe en Dios, en vez de en su genetista”, piensa Vincent (el protagonista).
Batman The Dark Knigth (cine)

Por: Marcelo Torres
El cine extrañará a  Heath Leagher RIP…

La segunda entrega de la trilogía de Christopher Nolan, es sin duda para mí, una de las mejores películas no solo del género sino en general, ya que trasciende y va más allá del mismo concepto.

Con 152 minutos cargados de acción, buenos diálogos, excelentes actuaciones y demás presenta un panorama donde el concepto de caos toma el protagónico, seguido del personaje que lo hace posible y que para muchos tomo el papel principal en la película dejando a un lado al mismo Batman, el Joker.

Este fue lo que más me gusto, ya que nunca antes había visto un personaje igual en ninguna otra película del género que fuera. Si bien ya es por todos conocido el Joker por los cómics o por Jack Nicholson en la cinta de Batman de Burton, este nuevo Joker interpretado por Heath Leagher rescata la esencia del personaje, un agente del caos, sin identidad, pasado, alguien quien simplemente apareció y puso de cabeza la escena.

Otro aspecto interesante de la cinta, es el dilema moral en el que cae Batman, un hombre para quien el bien de la colectividad aparece como un fin absoluto, el cual para alcanzarlo no se debe escamotear ningún sacrificio incluso renunciar a la propia vida o dejar atrás la expectativa de la gloria como recompensa al esfuerzo efectuado, alguien para quien el único motivo para actuar bien tendría que ser la satisfacción de estar haciendo lo que se debe. Hasta este punto la ética de Batman es muy sencilla. Pero las cosas son más complicadas. En la película se ve como Batman no es una maquina (concepto realista que en las entregas anteriores a Nolan, se ve olvidado) y no siempre hace lo que se debe ya que cuando tiene que escoger a quien salvar, si a la chica bella de quien está enamorado o al hombre importante para la comunidad, su impulso natural es salvar a la chica, poniéndose en primer plano sus intereses personales que el de todos, dejando a un lado su ética.

En conclusión una cinta donde se muestra el lado más real de un súper héroe, que por encima de todo sigue siendo un humano.
La danza no necesita palabras.
Por: Laura Pérez

El grupo de danza contemporánea Génesis, presentó nuevamente su coreografía “Lunas Menguantes”, bajo la dirección de Susana Bustamante, el pasado martes 4 de diciembre en el Teatro Principal.

Basado en el poemario de Javier Malagón, Lunas Menguantes es un proyecto apoyado por el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes dentro del programa de Estímulos a la Creación y al Desarrollo Artístico en su Emisión 2010, en la categoría de Creador con Trayectoria en el área de Letras.
Presenciar por tercera vez este evento, y no prestar mucha atención o relación a la poesía que predican al mismo tiempo que la danza, me dice que no es necesario decir palabras, pues la danza habla por sí misma, la poesía esta implícita en ella con los puros movimientos, el cuerpo lo expresa todo y escuchar la voz del poeta queda en el fondo, solo como ambientación, lo que me dice también, que su poesía no es muy cautivadora. 
El grupo de danza Génesis, ha tenido cambios en sus integrantes, así como invitados diferentes, lo que sorprende en cada presentación pues los bailarines no muestran una característica propia que los identifique como grupo, aunque cada uno de los que ha participado demuestra su gusto y gozo por la danza.
El tema de la coreografía te enseña como las cosas decaen, las emociones disminuyen por alguna razón y por otra crecen,  y dan alusión a los ciclos de la luna, siempre cambiante, en movimiento.
Crítica V de venganza
Por: Julio César Ortega Miranda

Podemos situar al régimen autoritario que impone el primer canciller en algún punto entre Benito Mussolini, Hitler y Francisco para describir la idea de la película. ¿Qué es lo que viene después de un gobierno como este?. Revolución es la palabra. Si es que se quiso  lograr en el espectador de esta película es la idea de cambio y libertad, está por demás logrado.
Podemos resumir que se habla de cada uno de los pueblos, ya  que la mayoría ha necesitado usar la fuerza o la unidad pacífica para derrocar  un gobierno. Podemos encontrar el elemento “censura”, pues muchas cosas están prohibidas para los pobladores, ejemplo de ello es el toque de queda,  se prohíbe el libre transito (Partes de la película quedan a la imaginación del espectador), ¿Qué es eso de lo que el gobierno  quiere que los ciudadanos no sepan? .
En cuanto a la musicalización, es punto interesante la 1812 de  Tchaikovski, es esta pieza una connotación de triunfo ante aquello que estaba mal, se utilizó debido a que Tchaikovski la compuso al derrotar al ejército de Napoleón.
“Interpretando a la Naturaleza”
Por: Cristina Moreno
EL Teatro productora Hotel Pro Forma en colaboración con el grupo sueco The Knife nos presentan la electro-ópera: “tomorrow in a year”.
Con una soprano, una cantante pop, un actor  y seis bailarines en escena acompañados por una excéntrica escenografía llena de luz y sonido, nos exponen los ideales y escritos de “el origen de las especies” de Darwin.
El espectador se encuentra con un mundo lleno de diversidad  increíble en donde al pasar del tiempo mostrará un cambio inevitable tal como presenta la gran teoría de Darwin.
“La naturaleza selecciona, invita y se atreve a todo, sin limitación”.
-  Ralf Richardt Strøbech, co-director.

El proceso artístico-científico nos muestra una visión del mundo sin igual, pues te atrapa en un universo alterno y lleno de tecnología en donde a pesar de no estar en el escenario eres parte de la obra, interactuando y experimentando el cambio, pues jamás se encontrará estructuras tradicionales, por el contrario se topará con nuevos contextos entre la imagen, la narrativa, el movimiento y la música.
La percepción y la cultura en mezcla con el arte conceptual te absorberán en esta inteligente e innovadora obra.

miércoles, 5 de diciembre de 2012

Autopsia a un copo de nieve
Por: Nancy Gama

Es una obra de teatro que relata la historia de Nicoleta que es una pequeña niña de 8 años, que a pesar de vivir en un círculo familiar se encuentra totalmente sola.
Tiene una hermana mayor, es Natalikova, pero aunque le menciona en numerables ocasiones a su madre Catalina que Nicoleta la necesita, es ignorada.
Y la pequeña Nicoleta se encuentra siempre en el estado de tratar de llamar la atención. Su hermana mayor aun que dice que solo se tienen la una a la otra, nunca esta con ella, Nicoleta siempre tiene que ir a buscarla, no tiene amigos, se siente sola, tenía un perro pero murió en la bañera.
Por estos motivos ella es tan imaginativa que recrea -en una escena- como su hermana y su madre juegan con ella, solo un instante, solo un momento en su mente, en sus sueños de infante.
Siendo la hermana menor, la madre menciona que fue una equivocación, se deshace de ella mandándola a campamentos, a la escuela, etc., pero Nicoleta siempre trata de obtener la atención de su madre haciendo travesuras, lo cual le llega de manera negativa, regaños, gritos.
Lo que mas menciona es que su madre le conto un cuento, el último: “Y desesperado, el patito feo creía que nunca iba a encontrar a su familia, fue al estanque a ahogarse”, esa historia no la conocía así… ese final no lo recordaba de esa manera ya que lo conocía muy bien, Nicoleta le pregunta a su madre si la quiere… me quieres mamá? Nunca le contestó, esa noche lluviosa Nicoleta se ahogo en la bañera, se suicidó.
De la institucionalización de lo underground
Por: Carolina García

Como podemos observar a través de la historia del arte y de la cultura, surgen movimientos que pretenden “revitalizar el arte”  en momentos en los que pareciera que cierto tipo de estilo ha perdido su capacidad de sorprender al espectador. En un principio son rechazados por el “mainstream” pero con el paso de los años, las sociedades van asimilando poco a poco este tipo de manifestaciones hasta institucionalizarlas y aceptarlas dentro de los recintos oficiales del arte con mayúsculas.
Así sucedió con el arte urbano y el estilo  lowbrow art.
La película “ Beautiful Losers” 2008 dirigida por Aaron Rose y  coodirigida por Joshua Leonard, es un documental sobre este estilo de arte irreverente que surge en la costa oeste de EU a mediados de los años 1970´s, donde los mismos artistas : Thomas Campbell, Cheryl Dunn, Shepard Fairey (Obey Giant) ,Harmony Korine, Geoff McFetridge, Barry McGee, Margaret Kilgallen, Mike Mills, Steven "Espo" Powers,Aaron Rose, Ed Templeton y Deanna Templeton, dan su testimonio sobre sus carreras y cómo fueron sus inicios y desarrollo  dentro del arte urbano.
Un documental que llega a ser muy motivante para las personas que compartan algunos intereses en común con estos artistas, que estaban en pro de un arte libre de teorías, fuera de los museos, irreverente, crítico, contracultural y vital, un estilo de arte hecho por jóvenes y para jóvenes.
 Nos hablan sobre la efimeridad de todas las cosas de la vida, y de la poca importancia que tienen en el aspecto trascendental como para dedicar una vida entera a obtener una posición dentro de la sociedad, prefieren crear libremente; “todos somos basura humana” menciona uno de los artistas.
 Cuentan como empezaron creando arte para ellos mismos y con el paso del tiempo renombradas corporaciones los contrataron para ilustrar campañas publicitarias de corporaciones transnacionales como Pepsi.
Esto es una consecuencia inevitable, y benéfica para ellos ya que su producción también se convierte en su sustento de vida y no está peleado hacer este tipo de cosas “comerciales”  mientras se siga produciendo el arte por el arte.
Lo que sucede con esto es que se pierde el objetivo inicial del movimiento o de la creación artística, si estos grafittis  o extencils se aplicaban por primera vez
Para apropiarse del espacio urbano a manera de protesta por las condiciones sociales de su tiempo, de las instituciones, las empresas y los sistemas. Al ser reconocidas y valoradas estas manifestaciones artísticas por la cultura dominante se anula la idea con la que fueron gestadas.
No me encuentro ni a favor ni en contra de esta institucionalización de lo que no es institucional, siempre y cuando se conserve el objetivo del movimiento y no se abandonen los ideas. Esto ha sucedido durante toda la historia del arte, ahora existe una rama del graffiti que es institucional, el nuevo muralismo hecho con aerosoles, para dotar de identidad y mostrar la historia de una cuidad, como sucede aquí en Leon Gto. Probablemente tenga que llegar un nuevo modo de creación artística que contradiga estos principios, para posteriormente institucionalizarse como ha sucedido durante toda la historia.

lunes, 3 de diciembre de 2012

Melancolía: un bello final
Por: Denisse Juárez

“Y cuando digo que estamos solos. Estamos solos.
 La vida existe solo en la Tierra.”
Melancolía.

                La palabra “Melancolía” paradójicamente es una de las palabras más bellas que conozco. Parece una descripción hecha a medida para aquellas personas que hagan lo que hagan siempre acaban citándose con prolongados momentos de tristeza que en el fondo parecen el cobijo de sus vidas. Por extraño que parezca, esos momentos de tristeza deben ser enormemente disfrutables, pues cuando los abandonas te invade la sensación de que te has traicionado a ti mismo.

                Melancolía”, la nueva obra del director Lars Von Trier, es un film poderoso y atípico, que rompe con ciertos estereotipos de la ciencia-ficción y el drama ya que le aporta una nueva perspectiva al "cine catástrofe".

                Trata sobre el fin del mundo pero también una exploración de las relaciones humanas que se desarrollan paralelamente a los últimos días de la vida sobre la faz de la Tierra. La historia gira alrededor de un planeta homónimo, que choca contra la Tierra destruyéndola al inicio del film.

                Luego de revelarnos ese elemento crucial de la trama para que eliminemos cualquier posibilidad de supervivencia de los personajes, el film nos lleva a la boda de Justine (Kirsten Dunst) y Tom (Alexander Sarsgaard) cuya relación comienza a deteriorarse a medida que Melancolía se acerca a la Tierra. Te seduce el carácter melodramático de su trama, el empleo manipulador de la música, el atractivo acabado visual y la relación sentimental de las dos hermanas protagonistas, que representan Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg, que es espléndida dentro del núcleo de la historia, dos signos que encarnan la inseguridad y el sentimiento de esta interesante película.

                No es un film simple ni accesible pero sus actuaciones, cinematografía e historia combinadas con la poderosa música de Wagner terminan creando una obra sumamente especial y que probablemente será más que disfrutable para los fans del cine artístico. Hipnótica por instantes y quizá necesaria para cualquiera que no desee sentirse fuera de conversaciones o debates, “Melancolía” puede ser una película que convenga ver. No obstante, en mi opinión, queda lejos de la fuerza que tenían trabajos anteriores de Von Trier y se puede apreciar más como aglomerado de imágenes impactantes que como conjunto vivo. No sé si el director quería hacer algo extraño y que no fuese bonito, ya que solo logro la mitad de estos dos objetivos.

                Bueno al terminar de ver la película lo primero que me vino a la cabeza fue, como bien apunta Todd McCarthy de Variety, que he visto un cruce letal entre Celebration y Armaggedon. La película es una metáfora de la depresión que vivió el director danés hace unos años. Una metáfora sobre la negativa a vivir trasladada a una boda. Una metáfora en imágenes durante el comienzo y hasta el final.

domingo, 2 de diciembre de 2012

Las letras químicas de Welsh.
Por: Ariadna Politrón

Éxtasis: tres relatos de amor químico, publicada por Anagrama en 1998 es uno de los libros de Irvin Welsh de donde se desprende “Lorraine va a Livingston”, este original texto donde podemos apreciar la gran habilidad literaria del escritor creador de la famosísima novela Trainspotting, de la cual surge la adaptación cinematográfica llamada del mismo modo.
“Lorraine va a Livingston” es un relato largo pero cautivador que mezcla consecutivamente una historia dentro de otra historia, combina ingeniosamente  ambientes y personajes que van desde lo más dulce y tierno hasta lo más agrio y perverso.
Welsh se autonombra «activista cultural» antes que escritor, y hace claro honor a su auto denominación, ya que bajo la tendencia que caracteriza a Irvine en sus obras los excesos no quedaron fuera tan poco en esta ocasión, es muy causal encontrarnos con encuentros bisexuales, homosexuales, pornografía, drogas, violencia o algún tipo de parafilia como la zoofilia o la necrofilia.
Superficialmente la obra parece mostrar una cara de abundante inmoralidad, pero es lo que quiere mostrar Welsh, sin reservas.  No es más que un simple retrato de la humanidad,  de sus depravaciones y de sus problemáticas. Definitivamente el lenguaje es brutal pero muy realista, “caras vemos corazones no sabemos”. Muy buen texto, definitivamente recomendable tanto la obra como el autor.

Welsh Irvine, Éxtasis: tres relatos de amor químico, Anagrama, Londres, 1998
La Máquina de Esquilo.
Por: Eduardo Rosales
El centro de las artes de San Luis con toda su belleza arquitectónica nos recibió el lunes 12 de noviembre en su explanada principal para presenciar “La Máquina de Esquilo” de Luis Enrique Gómez Ortiz Monasterio, siendo cerca de las 20:00 horas el imponente escenario y el frío se mostraban como un obstáculo difícil de sortear para los actores y nos mantenían a la expectativa de cómo se proyectaría la voz para ser perfectamente escuchados en aquella gran plaza. En ese momento 3 de los actores se aproximan al centro del escenario y haciendo tocar sus tambores, que parecían hecho de material reciclado, y una especie de ocarina, anuncian la primera llamada que para mi sorpresa es completamente audible no importando el encontrarnos a la intemperie con un viento fuerte. 
La Máquina de Esquilo comienza dándonos una breve reseña de como surge y se desarrolla el teatro griego, quizás esta es la parte más baja en ritmo de la puesta pero sirve como un buen preámbulo para la presentación de la obra que se nos muestra como un homenaje a Esquilo. De tal manera se presentan 3 comedias y una tragedia del dramaturgo griego contadas desde en ángulo muy interesante con un lenguaje sencillo y cotidiano aunque en ciertas ocasiones abusaban de las palabras altisonantes con el objetivo de aumentar la comicidad de la situación, lo cual me parece que salía sobrando en más de una ocasión, pero haciendo un poco eso de lado la comedia es manejada de una buena manera y mantiene el interés de las personas en todo momento, lo cual debió ser un trabajo arduo ya que la obra fue concebida para teatro escolar, pero el diálogo es fluido y muy divertido. Las 3 comedias representadas son “los 7 de Tebas”, “las suplicantes” y “Prometeo encadenado” las cuales además de el ingenioso diálogo, se apoyan en una muy buena energía de los actores y una constante serie de acciones en la que se van transformando en diferentes personajes con ayuda de diferentes vestuarios y variados elementos de utilería logran una atmósfera muy singular. Es de destacar la manera en que los 7 actores en escena transmutan en diferentes personajes y sin el afán de ser graciosos logran arrancar, en muchos momentos, grandes carcajadas dentro del público.
Con muy poca escenografía pero con un notable trabajo por parte de los actores  la Máquina de Esquilo dejó un muy buen sabor de boca en la Muestra nacional de Teatro y nos permitió ver los buenos esfuerzos que se están realizando dentro del programa de teatro escolar en nuestro país.
Homenajes (1988)
Adonis
Por: Iván Longoria


     Adonis es el seudónimo del poeta, pensador y ensayista sirio Ali Ahmad Said Esber, considerado como el máximo exponente de la poesía árabe contemporánea. Su intervención en la política en apoyo al Partido Social Nacionalista Sirio le costo estar seis meses en prisión y posteriormente tuvo que pasar un largo exilio. El trabajo poético de Adonis se ha caracterizado por contener un alto sentido social y político.

     Homenajes es sin lugar a duda uno de los mejores poemarios de este intelectual árabe, adoptando el estilo de poema en prosa para los catorce poemas que conforman esta obra.

     Con temas como el amor, la soledad, la guerra, la política y el panarabismo los poemas de Adonis son en ocasiones referencia a los sucesos bélicos que ha confrontado el pueblo árabe; sin embargo, la influencia que obtiene de la filosofía de Oriente Próximo y el estilo de vida de ésta región le han impregnado una ideología diferente, con un sentido más crítico, remontándose al pasado de un lugar maravilloso pero que ha sufrido en demasía, en donde los problemas de una nación son los de todo el mundo.

     Con un alto contenido metafórico las palabras adquieren un nuevo significado, un origen místico que para responder acude a las preguntas, en  un intento por entender las acciones del hombre.
El Malestar de la Cultura hecho escultura
Titulo: "Culpa y Civiilización I"
Autor: Daniel Ramos
Año: 2012

Por: Patricia Villagrán

"Existente un antagonismo irremediable entre las exigencias pulsionales y las restricciones impuestas por la cultura. Es decir, una contradicción entre la cultura y las pulsiones donde rige lo siguiente: mientras la cultura intenta instaurar unidades sociales cada vez mayores, restringe para ello el despliegue y la satisfacción de las pulsiones sexuales y  agresivas, transformando una parte de la pulsión agresiva en sentimiento de culpa."
Daniel Ramos



Hay arte que va más allá del objeto, arte crítico, arte protesta que de vista pareciera sencillo pero tiene una carga simbólica interesante. Curiosas figurillas que miden no más de 32 cm hechos de alambre, piedra y henequén son la creación reciente del artista plástico Daniel Ramos que en conjunto son llamadas "Culpa y Civilización I", obra que participará en la exposición "El malestar en la cultura" , inspirado en el libro de Sigmund Freud que será realizada en marzo del 2013. El artista dice sobre esto:

"Comenzó como propuesta de hacer una expo-individual agendada para Marzo 2013 , donde se presenten libros de cerámica en conjunción con muñecos primitivos construidos con materiales de la región en alambre, piedra, maíz, henequén, textiles, etc., y libros reales trabajados a manera del arte-objeto, donde el libro pierde la esencia con la que fueron construidos por la editorial y su autor, para adquirir un nuevo significado y de apreciación estética."

Los tres muñecos que recuerdan a los utilizados en el voodoo africano, presentan ciertas mutilaciones que bien pueden representar las carencias  personales: físicas, psicológicas y sexuales. Pareciera que tratara de denunciar el delirio colectivo en el cual vivimos, el subyugo de la religión, gobierno y normas sociales. Expone lo que tenemos dentro, todos los traumas y deficiencias que están encerrados dentro de un cuerpo aparentemente normal.
La obra de Ramos no es más que el reflejo de nuestra realidad:  seres incompletos, sin rostro y reprimidos por cuerdas y alambre, de material frágil y flamable. Su creación será acompañada con  libros que serán modificados con piedra, arcilla y demás, cabe destacar que donados libros reciclados.

Es importante la incursión de Daniel en este tipo de arte, ya que junto con el colectivo "Taller Café de Todos" del cual es parte, trata de exponer en su  ciudad de origen (Irapuato) nuevas vanguardias y estilos  dentro de las artes plásticas.

"Irapuato es una ciudad pequeña, pero por medio del Taller Cafe de Todos donde participo y las redes,  pretendo conseguir intinerar y difundir la expo para que llegue a mas lugares".

Por: Maribel Vera Navarro.
Sensemayá.                                                                                                                    
Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato.                                                                                                                        
Teatro del Bicentenario.

            Como parte de la programación del 60° aniversario de la OSUG, se ofreció un concierto sorprendente, que llenó de emoción al público presente, en el recinto resonaron los acordes de la música de Silvestre Revueltas, Carlos Chávez, Pablo Moncayo, entre otros compositores mexicanos.
La buena interpretación que la Orquesta nos ofreció de estas piezas musicales, nos llevó de la mano hacia la década de los 30´s en México, época en la que, a través de todas las manifestaciones artísticas, se buscaba generar en la sociedad un sentido de nacionalismo.  Aunque en realidad este sentido histórico se dejó de lado muy fácilmente puesto que esa noche lo único importante era la música y nada más.
Junto con la Orquesta Sinfónica se presentó el trío alemán LUXA 21 para interpretar una pieza del director y compositor Juan Trigos. 
El concierto fue una combinación de sonidos que nos hicieron viajar desde el México prehispánico, hasta la segunda mitad del S. XX.   
El momento más esperado, y con el que culminó la noche, fue la interpretación del Huapango de Moncayo.  Desde las primeras notas se podía sentir la emoción de la gente, fue como si nada más existiera al rededor, fue mágico, y al finalizar todos con una sonrisa en la boca.

En el enlace siguiente, aunque no precisamente con la OSUG, pueden disfrutar de la pieza de Juan Trigos.



Finalizamos con algo de nuevo talento
Por: Gladys Moreno
Cristina Otero, joven fotógrafa de 16 años, maneja la figura y rostro femenino con una gran expresividad, critica social, pero sobre todo con un alto manejo del color, ya sea a base de contrates o saturaciones, ayudándose del maquillaje poco convencional que ya se ha vuelto firmas de su propio estilo, e incluso con las características físicas de sus modelos, poniendo siempre énfasis en los ojos, labios y expresión facial como es el caso de su serie “Tutti frutti”, de las menos criticas de Cristina y a momentos incluso cómica,  que mas allá de estar inspirada en las frutas, logra representarlas como un adorno, un complemento, una adaptación de sus colores y formas más representativos que de alguna forma mezclan el bodegón y el retrato. Su obra es del tipo que invita a seguirse, a verse.
Fotografías: Dragon Fruit
                      Grosella
                      Uva
                      Pomegranate