jueves, 31 de octubre de 2013

Por: Omar R. Martínez Jiménez
Película: “No sé si cortarme las venas o dejármelas largas”
Director: Manolo Caro
            “No sé si cortarme las venas o dejármelas largas” es una película mexicana, que aborda el género comedia, salió a los cines en este año 2013 y tiene las actuaciones de personajes principales por: Raúl Méndez, Ludwika Paleta, Luis Ernesto Franco, Luis Gerardo Méndez y Zuria Vega. Duración: 103 minutos. Así mismo la película está basada en la puesta en escena.
La historia se desarrolla alrededor de una ciudad ajetreada y ruidosa como la ciudad de México, todo sucede en un edificio y sus departamentos, en un departamento vive Julia y Lucas una pareja de amigos que ante los ojos de las persona que viven fuera de sus puertas son marido y mujer, esto porque una es una cantante frustrada con pánico escénico y el otro es un gay diseñador de ropa que le oculta a su familia su preferencia sexual; en otro departamento vive Aarón y Nora, esposos que creen vivir una vida de ensueño, con todo lo necesario materialmente hablando pero con frustraciones con el hecho de ser padres por vez primera y realmente alcanzar la felicidad, uno dedicado al trabajo y la otra dedicada a vivir la vida de las Telenovelas y su sueño de ser mamá. Todo se transforma drásticamente cuando llega un nuevo inquilino al edificio y quiere conocer a sus vecinos y generar lazos de amistad. A lo largo de la película no deja de haber momentos graciosos, dramáticos o que te van hilando más en la historia; los acontecimientos sucedidos realmente solo pasan en el edificio más aún los momentos más tensos, chistosos o dramáticos sucedían en pequeños cuadros de una habitación, como una sala, un comedor o la entrada al elevador, todo esto con la escenografía necesaria no más no menos y con todo esto te daba la sensación de vivir realmente cada emoción de los personajes, de que tu atención se centrara en su actuación sin distraerte. Pienso que gracias a utilizar los elementos necesarios para la película te hacen disfrutar sin la necesidad de predecir lo que vendrá después cosa que me pasa con la mayoría de las películas comerciales.
Por último me atrevo a decir que toda esta producción se apegó a la forma de hacer teatro y hacer una real puesta en escena, en dónde los personajes viven su dolor y hacen sentirlo, en dónde uno ríe con ellos y se identifica con su situación, fue como vivir el teatro, como ir a ver teatro en pantalla grande, sumamente disfrutable y eficazmente realizada.


Por: Tere Mendiola
THE FAULT IN OUR STARS
(Bajo la misma estrella by John Green)

Este libro cuenta la historia sobre dos adolescentes entre 16 y 17 años de edad que sufren la enfermedad de Cáncer, es narrado por la protagonista Hazel Grace, no es el típico libro que hace que el lector se la viva en un mar de lágrimas, y tampoco es la novela con romance bobo y empalagoso, pero claro tiene drama, romance, humor y hace reflexionar.

Una de las cosas que sobresalen de la historia es que cuenta con detalle la enfermedad del cáncer, que hace que uno como lector después de despegar los ojos del libro y volver a la realidad uno sienta que también tiene la enfermedad, que se sienta cansado y con falta de respiración tal y como le pasa a la protagonista, lo que mas me gusto es que el cáncer quedo en segundo termino después de que lees un poco mas, la historia tiene buenos chistes sarcásticos sobre esta enfermedad y las situaciones que los aquejan pero sin dejar de lado la historia de amor de los protagonistas.

Es un libro bastante corto y con un ritmo muy ágil, el estilo de la narración que da John Green es sencillo y directo.
La historia es muy tierna y con un trasfondo duro y reflexivo

Lo bueno: El libro tiene giros inesperados en la trama de la novela.

Lo malo: Me esperaba más sobre el final.

EL MONO CIBERNÉTICO
Pablo Paniagua
Literatura Indie*
Autora: Erika Quiroz(Laret)



Pablo Paniagua   hispano mexicano nacido en España, naturalizado  mexicano se dice a si mismo “Ciudadano del planeta tierra” ; reside en Guanajuato, Capital.
Postula un manifiesto del “escritor web para una nueva literatura independiente de blog novela en la que expone el por qué tomo este medio para difundir su obra:
El Internet, entonces, se convierte en un salvavidas momentáneo para aquellos creadores que apostaron por el arte y la literatura, teniendo en cuenta, sin embargo, que son muy pocos los que asumen el riesgo de regalar su trabajo y de ser algo más que comentarista ocurrentes o dedicarse a las comicidad,…prefiero regalar mi obra por Internet antes que ser  derrotado por la ceguera y la ineptitud de unos cuantos. (extracto del manifiesto, Pablo Paniagua, Acequias 43 Primavera 2008 UIA Laguana)
Utilizando la web en especial el blog es como difunde sus obras mordaces y a la posterior una son editadas el ejemplo de una de ellas es:
El Mono Cibernético, se publicó como primera vez en “Blog novela” en el diario digital El Libre pensador, entre los meses del 14 de abril al 28 de septiembre del 2009,y ahora se  presenta en formato de libro editado en el mes de febrero del 2013 en Guanajuato y eBook, por medio de la plataforma editorial  Literatura Indie*.


Es una novela exponente de la última vanguardia literaria (por nombrarla en una posición), que se inscribe en el siglo XXI. Escrita desde la atmosfera característica de la ficción en un medio de comunicación, como es el Internet desde ahí va entrelazándose una red de cuatro perfiles personajes-narradores, constituyendo un experimento narrativo cada uno es dotado de autonomía, lo que constituye un experimento narrativo que mezcla el ensayo y la autobiografía que es escrito desde la disidencia donde  el mono lucha para evitar el asesinato de la Gran Literatura, enfrentándose mediante  la denuncia de la “literatura chatarra” donde los contenido de la banalidad pululan por la boca y escritos de los “traidores de la Palabra”, dando visos de un estilo caustico e  irreverente.

Por: Claudia Paulina Carranco Morón

Evento: ¡Que viva México!

(El Ballet Folklórico de la Universidad de Colima)

Lugar: Teatro del Bicentenario

Fecha: 7 de Septiembre 2013


¡Que viva México! es espectáculo con más de 80 artistas del ballet folklorico de Colima, es una celebración de nuestra tradiciones en donde la riqueza del vestuario y diversidad coreográfica, los cuadros escénicos y ambientaciones, dan vida a un recorrido festivo por la historia y geografía de nuestro país.
Las  coreografías nos permiten trazar secuencias de cuadros dancísticos en montajes coloridos bailados con frescura y vigor. El ballet  folklórico es un fiel representante de tradiciones culturales que nos identifican y distinguen, como mexicanos. Los colores, movimientos corporales y rítmicos que regalan al espectador experiencias inolvidables. La música, movimiento, bailarines, coreografías y pasos tradicionales son un conjunto de la geometría dancística que desbordan los bailarines entusiasmados.
Lo que me pareció carente fue el primer vestuario, pues para representar una danza prehispánica,  es esencial  contar con el vestuario adecuado y su penacho que era primordial para esta danza, lo sustituyeron con una pintura  que aparentaba ser el penacho este fue el único aspecto negativo y carente  del espectáculo.
La construcción de las piezas nos dan un recorrido desde  un México precolombino  hasta  las piezas más clásicas del folclor de toda la república. Las estructuradas coreografías, versátiles y coordinadas interpretaciones han convertido a este Ballet Folklórico en uno de los más importantes a nivel mundial. 
Por: Brenda Morán Paredes
Autor: Jeremy Mayer
Nombre de la pieza: Bust V

Técnica: Ensamble


Además de ser una pieza que causa interés por el inusual material con el que esta elaborado (Maquinas de escribir), es un recurso característico de el artista Jeremy Mayer, en donde no solo se limita a las formas humanas, sino incluye formas animales.
Esta pieza refleja como es que la tecnología con el paso de tiempo ha empezado a formar parte fundamental de nuestra vida, tanto que esta inmersa en casi todas las actividades de nuestra cotidianeidad con el uso en ocasiones excesivo de los teléfonos celulares, de las computadoras y el Internet.
Si bien sus obras no tienen como fin la critica social del uso de la tecnología, si prestamos atención y reflexionamos las obras de Mayer, podemos concluir en a que puede referirse a esto.
Por: Luz Gabriela Vargas
… como un manual…
Manual de Instrucciones  es uno de los poemas de Gladys González (licenciada y profesora Chilena, del castellano).  En él relata lo que alguien hace y quiere hacer pero que ya no debe; lo que se vive a lo largo de los años, lo que se sufre a causa de ello… en lo que te conviertes; aquello en lo que se transforman los días, en rutinas, y lo que sientes que eres, sin necesidad de que alguien más te lo diga.
Es un poema corto de cinco estrofas, fácil de entender y de relacionar con situaciones que atañen al hombre. Un poema sin métrica ni rima. Rompe con algunas reglas gramaticales al omitir mayúsculas al iniciar cada estrofa. No cuenta con algunos signos de puntuación como puntos y comas, sin embargo, no es un poema difícil de leer debido a que no es cansado y no cuenta con un vocabulario inusual.
Al leerlo te das cuenta de que es una mujer quien está narrando lo que le pasa. Puede o no que la autora del poema sea quien plasme su historia en él, pero como no se conoce el trasfondo verdadero de este, es una incógnita.

Manual de Instrucciones
escucho la música
y  me pongo rebelde
pero ya no tengo edad
para ser rebelde
ninguno
de los que está acá
tiene edad para serlo

soy el poema más cruel de la
habitación

he vivido en casas vacías
con el techo partido por la mitad
sin dinero
para comer
para lavar la ropa
y conseguir un trabajo
de medio tiempo
en un centro comercial
o en un supermercado
sin amigos
a los que llamar por teléfono
y decir:
estoy destrozada

mi día
se reduce a sangrar
en un espejo
boca abajo
mientras pasan los meses
como un manual
de primeros auxilios
y se delatan los signos de tortura
en el rostro

tal como el moho

en mi ropa

"Toledo y Kafka:
informe para una academia"

Obdulia Moreno

El estado de Oaxaca ha sido cuna de muchos de los personajes que han marcado el rumbo de la historia de México. Políticos, escritores y, por supuesto, artistas pictóricos. Francisco Toledo, pintor, nacido en Juchitán el 17 de julio de 1940, es una muestra clara de lo que este maravilloso estado ha producido.
            Francisco Toledo un misterioso personaje con la mirada tranquila zapoteca y un estilo humilde y relajado, es considerado uno de los más grandes pintores mexicanos vivos, es por eso que elegí su obra que contiene un grupo de 15 dibujos sobre el texto de Franz Kafka "Informe para la Academia", que cuentan la historia del mono Peter, el Rojo; el abandono de la vida simiesca en la Costa de Oro y la humanización que sufrió para poder sobrevivir en Hamburgo.
            Toledo se identifica con el relato y las imágenes, pues se dice arrancado de la milenaria cultura zapoteca e insertado en la cultura de Occidente. Es maravilloso como se representa a sí mismo como un simio salvaje que es cazado y obligado a comportarse humanamente.
            La obra expresa dramatismo con sus claroscuros, a pesar de que algunos dibujos sólo se resumen a un conjunto de sencillas líneas, es impresionante lo bien que logran transmitir la angustia y violencia que vive el mono.
            Creo que todos podemos identificarnos con esta historia, ya que todos somos no más que unos monos humanizados y precisamente por ello es una obra que puede llegar a formar una identidad con casi todas las personas y cumplir la función más pura del arte: ser trascendente.
Paté de Fuá
                                    Por: Yesenia Alejandra Ibarra Munguía.
Dentro del Festival Internacional Cervantino se presentó  Paté de Fuá, un grupo musical que ha roto barreras en la industria musical actual. Y el  día 25 de octubre, en  Guanajuato Capital tuvimos el privilegio de escuchar  esta fusión musical.
Difícilmente se les puede ubicar dentro de un género específico,  podría decirse que es una mezcla de Jazz y  Tango, con tintes de música flamenca. La verdad no conocía mucho a ésta banda,  para ser sincera, pero debo agregar que llamaron mi atención por un singular ritmo en el acordeón que sonaba a notas que suele tocar Yann Tiersen; en lo personal sus sonidos me remiten a callejuelas en Francia y esto se debe gracias a la gran gama de instrumentos que tocan que van desde la guitarra eléctrica, la batería, el bajo, el contrabajo,  el saxofón, la trompeta, hasta el vibráfono, bandoneón, corneta, banjo, cavaquinho y el característico chupetófono el cual es una adaptación de su autoría.

La iluminación en el escenario fue enfática y sencilla ya que enfocaba a cada uno de los integrantes de manera directa a la hora que los instrumentos iban tomando forma y lugar en cada composición de las canciones. Las letras un poco nostálgicas te transportaban a calles empedradas, romances inocentes de algún pueblo campirano, algo tranquilo, bailable, alegre y disfrutable, sobre todo para esa noche fría y ventosa; a pesar de que la gran mayoría no sabía las letras se sintió la emoción y las ganas de seguir escuchando más de esta enigmática agrupación, ya que puso a bailar a más de uno, en canciones como el “fantasma enamorado”,el supermercado”, “celoso y desubicado”, qué en mi opinión fueron las predilectas por el público.

 

miércoles, 30 de octubre de 2013

HOMENAJE A GISMONTI
Por: Magaly Vázquez Morales
“Cultivar la música popular me viene de linaje”
(Arturo Márquez)

   Arturo Márquez Navarro es un compositor mexicano muy conocido por su Danzón no. 2 y por incluir estilos mexicanos en su música. En 1993 compone para el Cuarteto Latinoamericano una pieza en honor a Egberto Gismonti –destacado de la música popular brasileña-.

Este cuarteto se desarrolla con solos de cada voz y con el juego de frases largas en acordes que oscilan por grados conjuntos. La métrica de la pieza contrasta con la mayoría del trabajo de Márquez porque suele usar compases equilibrados y constantes, pero en ésta utiliza compases amalgamados.

Es interesante observar la relación entre Gismonti y Márquez en esta composición. Gran parte del trabajo de Gismonti está pensado para la guitarra de diez cuerdas (la cual facilita acordes complejos), por lo que no es de sorprenderse que este homenaje presente juegos rítmicos que tratan de imitar la guitarra con los pizzicatos del cuarteto. Además ambos compositores dedican su trabajo y formación a la fusión de la música académica y la popular.

Es una obra que merece ser escuchada con atención y sentir lo que Gismonti expresa a través de Márquez; a pesar de la deficiente interpretación del Cuarteto Latinoamericano. La música de Arturo Márquez refleja que todos los géneros musicales tienen cabida en la sala de concierto.



Por: Noemí Montelongo
Daniel Lezama
La gran noche mexicana
Óleo sobre lino
240 cm x 300 cm
2005


La gran noche mexicana es un enorme óleo de 240 por 300 centímetros, obra del mexicano Daniel Lezama que aborda un tema bastante polémico.

La gran noche mexicana es una obra qué da de qué hablar desde el momento en que se le mira por vez primera.

Con abundantes contrastes en luces y sombras, así como rastros del famoso folklór mexicano representado en sus colores y en la temática misma de la obra de este autor, Lezama da muestra,de una manera bastante grotesca, de la dualidad de la sociedad mexicana pasando desde aquellas personas aferradas a nuestras raíces indígenas hasta los fanáticos religiosos.


Sin duda una curiosa obra que te invitará a debatir sobre el papel del mexicano actual.


Por: Brenda Jasso
Director: Pablo Berger
Elenco: Maribel Verdú
                 Daniel Giménez Cacho
                 Macarena García
Música: Alfonso de Vilallonga
Fotografía: Kiko de la Rica
Genero: Drama
País: España
Año: 2012
Guión: Pablo Berger, Inspirado y adaptado del cuento de los hermanos Grimm.


BLANCANIEVES
            La trama desarrolla la historia del cuento clásico de los hermanos Grimm casi sin ninguna variante en su contexto esencial. La adaptación  de Berger se desarrolla en la Sevilla de los años 20`s donde los protagonistas de la fiesta brava y las cantantes Flamencas son la realeza misma (tomando en cuenta la procedencia clásica del personaje principal), la tragedia nos invade al iniciar la primera escena con la muerte de la madre, el accidente del padre y el desprecio de este por la inocente criatura que representa la perdida de su mas grande amor. La malicia de la madrastra al apoderarse de todo incluso de la libertad y fragilidad de la pequeña, quien soporta maltratos, humillaciones y explotación con tal de habitar el miso techo que su padre. Al pasar el tiempo y ya con la protagonista hecha una bella joven, la esencia vanidosa y soberbia de la madrastra ordena su destrucción; encontrada por uno de los simpáticos enanos (quien además funge el rol del príncipe azul) la amnésica Blancanieves emprende el viaje en el cual descubre su esencia y logra su felicidad, pero como asar del destino y así como su padre en esa plaza de toros, encuentra su fin  al morder la manzana, postrada en un sueño eterno se le ve en una feria de rarezas  esperado aquel que con un beso de amor rompa su maldición, pero esto es solo un engaño ya que la bella Blancanieves forma parte del espectáculo siendo atendida por su fiel y único amor suelta una lagrima hasta que llega el obscuro final.
Si bien la trama es romántica esta muy bien acompañada por un toque obscuro y lúgubre en todo momento seguida por la delicada estética que le brinda la fotografía en blanco y negro  de Kiko de la Rica y la música enérgica, picara y dramática de Alfonso de Vilallonga hacen de esta película una digna representante del cine mudo contemporáneo. Las actuaciones de sus actores principales como la de Maribel Verdú, que con la simple expresión facial, labial y proyección escénica reflejan la esencia envidiosa, vanidosa y soberbia que el personaje le exige; así como la dulzura, fragilidad, inocencia, determinación y valentía que reflejan los ojos de Macarena García.

Llena de escenas estéticas y bellas por naturaleza sin importar lo tristes que pudieran ser, como la de la primera comunión de Carmencita (Blancanieves de niña) quien en medio de su felicidad experimenta el rechazo de su padre, o en la que la niña entrena con una toalla a manera de capote, lo que parece ser una danza entre las sabanas y culmina con ella convertida en una mujer, o la escena del final en la cual yace en su ataúd de cristal acompañada por su príncipe enano para la eternidad.

Por: Montserrat Gómez y Gómez.

Right at your door.
Título original: Right at your door.
Año: 2006.
Duración: 96 min.
País: E.U.
Director: Chris Gorak.
Guión: Chris Gorak.
Género: Drama/Thriller.


La ceniza es el producto de la combustión de algún material, compuesto por sustancias inorgánicas no combustibles, como sales minerales; ¿qué pasaría si este material amenazara tu vida y al mismo tiempo pusiera a prueba la lealtad en tu relación?, Right at your door narra lo que sucede en una casa de los suburbios, tras un ataque terrorista con “bombas sucias” (termino con el cual designan a las bombas biológicas en la película) en el centro de la ciudad de Los Angeles; este largometraje realizado un 97% dentro del primer piso de una casa común en una atmósfera hermética, es el primer film escrito y dirigido por Chris Gorak quien  brillantemente logra transportar a la audiencia a una situación de histeria claustrofóbica con un mínimo de efectos especiales, al utilizar como herramientas una radio, cenizas y el imaginario colectivo del público,  todo el peso de la trama recae en las actuaciones de: Rory McCochrane (Brad) y Mary McCormack (Lexy) pareja protagonista entorno a la que giran los 96 minutos del film y cuyas intervenciones se basan en un conflicto moral en el que se involucran sentimientos de lealtad, miedo y ansiedad, alejados de los conflictos terroristas/políticos que enfrenta la ciudad en ese momento, con una paleta de colores fríos en todas las tomas, un gama de grises muy pálidos y silencios estratégicamente pensados, una vez que lo analizamos detenidamente nos damos cuenta que la película fue realizado con tres pesos (presupuesto reducido) y me parece que fueron los tres pesos mejor gastados, al lograr narrar una historia que pasa de una ficción cotidiana en las carteleras a una realidad casi palpable en cualquier parte del globo, que nos hace reflexionar sobre nuestro instinto de supervivencia por encima de nuestros afectos y nos sorprende con final totalmente inesperado.


Grecia Irazú Torres Gutiérrez
D Í A   D E  M U E R T O S – P I N T U R A  D E  C A L A C A S
(Aida Emart)

Día de muertos-pintura de calacas es un fresco de carácter costumbrista, pintado por la Lic. Aida Emart, nacida en México Distrito Federal. Esta pintura nos muestra una perfecta concepción de la muerte, ilustrándonos con gran énfasis algunos personajes de gran importancia para nuestro país, retratando así el pasado mexicano. Por medio de esta pintura el artista nos manifiesta el interés y la importancia de sensibilizar al público mexicano, retratando por este medio las tradiciones de un paisaje con sentido nacionalista, la pieza retrata de una manera sub real un paisaje vivencial de elementos importantes con sentido semiótico identitario como por ejemplo las trajineras, calaveras indígenas, lagunas azules, música con guitarras y una gran diversidad natural. Sin duda alguna esta obra nos remonta al misterio y burla de la muerte. Esta pieza usa colores vivos para enmarcar los detalles y obtener un completo lenguaje pintoresco de la obra.
                                    

martes, 29 de octubre de 2013

For the players since 1995
Por: Melissa Galván
For the players since 1995 es el nombre con el cual se titula el video promocional que la empresa Sony computer Entertainment Inc. lanzó a la web a través de sus páginas oficiales y también por medios televisivos hace un par de semanas  y que en pocas horas llego a convertirse en un video viral a nivel global, en este se muestra la historia y evolución de las consolas PlayStation alrededor de los 18 años de vida de la marca japonesa que ha revolucionado el mundo de los videojuegos , además de ser un comercial que se encuentra dentro del plan de marketing de la preventa de la nueva consola ps4 que saldrá a la venta el próximo mes de noviembre del año en curso.
Este video relata en solo 3 minutos con 21 segundos toda la historia y evolución no solo de la consola PlayStation sino también de sus usuarios y fanáticos , la primer escena  comienza con la toma de una habitación desordenada perteneciente a un adolescente Londinense de aproximadamente 15 años de edad que se desenvuelve dentro de la década de los  90s esto es fácil de identificar por el público  debido a los artículos , elementos decorativos y afiches de bandas representativas de la época como Blur o Air, haciendo de todo esto una suma de elementos visuales referentes a la denominada “generación x” , posteriormente ya situando al espectador en la época se hace una toma a la consola PlayStation 1  (consola de gran tamaño ) conectada a un antiguo televisor Sony de 36 pulgadas  que proyecta en su pantalla la memorable imagen de inicio que aparecía al encender el ps1 la cual se conformaba de un rombo anaranjado sobre un fondo blanco con las frase  “Sony computer entertainment” en letras color azul , que sin duda es un gran recuerdo de la infancia de toda una generación de Gamers  , acto seguido se muestra en la escena al joven protagonista del comercial junto a un par de amigos jugando el clásico “Street fighter” .  Para la segunda escena se muestra la ventana de la misma habitación desde la cual se puede admirar la ciudad de Londres y por medio de un efecto de  aumento en la velocidad de la cámara se observa el paso del tiempo y la evolución en la infraestructura de la ciudad , acto seguido se vuelve a echar un vistazo dentro de la alcoba del joven y los elementos decorativos han cambiado , hay nuevos posters con bandas  alusivas a principios del siglo XXl como Franz Ferdinand o Kasabian haciendo referencia a la madurez que el joven fue adquiriendo en cuanto a gustos  trata y después de observar todo el entorno que  envuelve a la habitación se puede deducir que estamos hablando del año 2000  , esta sospecha se confirma cuando aparece a cuadro La ps2 (consola más vendida en la historia)  que ahora es delgada y pequeña  y se muestra a un protagonista 5 años mayor que sostiene entre sus manos los icónicos  controles color negro representativos de la marca mientras juega “Resident evil “ ( con una notoria mejoría en la tecnología y gráficos de la consola) junto a su mejor amigo haciendo alusión a la unión y fraternidad a través del paso del tiempo.
Para la tercera escena vuelve a aparecer de nuevo la ventana de la habitación mostrando a través de ella de nueva cuenta el rápido paso  del tiempo  , el avance tecnológico y el incremento en la construcción de Londres, mientras que a lo que la habitación respecta nos sitúa en un contexto histórico mucho más actual pues se sustituyeron los viejos posters por los de  bandas como los Arctic Monkeys  , se observa una habitación mucho más ordenada , un closet con prendas que lucen actuales , y el aspecto del  protagonista es el de un joven de aproximadamente unos 23 años de edad que de nueva cuenta invita a jugar a su mejor amigo videojuegos pero ahora lo hacen desde una PS3 conectada a una televisión de plasma quienes emocionados por las mejoras de la consola no pueden creer el paso del tiempo y el gran avance tecnológico hasta el punto de estar disfrutando de las impresionantes gráficos de “Need for speed”
La última escena se desarrolla de nueva cuenta en la misma habitación y por medio de la misma ventana se vuelve a observar pero ahora de manera mucho más dramática el paso del tiempo pues se muestra un Londres lleno de tecnología , luces y colores , es el año 2013 y la alcoba ahora luce como la de un joven adulto de 26 años que emocionado recibe como ya es costumbre a su mejor amigo desde la adolescencia y le muestra su gran nueva adquisición , la PS4 conectada a una pantalla 3D  y ambos emocionados y nostálgicos por los recuerdos se disponen a disfrutar de los nuevos títulos que hace 18 años hubieran  sido imposibles de crear y jugar.
A manera personal solo me resta comentar que aunque este comercial está hecho en gran medida como un mero plan  de marketing para obtener futuros consumidores de la nueva consola PS4 , es a su vez una historia cuya secuencia engloba a la perfección el contexto histórico que a la mayoría del público gamer  y en general “a la generación x” y derivadas de esta nos ha tocado vivir  por lo cual se maneja de manera  muy atinada y  eficaz con los recuerdos y las emociones de miles de jóvenes de entre los 20 y 26 años que melancólicos  tenemos flashbacks  de lo que fue nuestra niñez y adolescencia a lado de uno de los mayores tesoros tecnológicos que con tanto cariño recordamos y que sin duda revoluciono la manera de jugar , experimentar y vivir los videojuegos, la épica consola PlayStation  y de como nosotros a la par hemos ido transformándonos y madurando a través del paso del tiempo , creo que a manera de conclusión lo único que puedo decir es que caí ante este gran truco publicitario pues cada que veo este comercial  me  siento sumamente nostálgica , eufórica y espero con gran ansía al igual que varios consumidores de la industria de los videojuegos la llegada de la tan mencionada PS4.
Link del video

“Generación x” - Hay quien generaliza y considera que esta generación es la que ha vivido de todo: desde las TV en blanco y negro, a los TFT más nítidos, gente que ha jugado canicas, a la cuerda, el trompo, Pong, Atari, Nintendo, Sega y demás recreativas de la época hasta las XBOX live y la Playstation ."Generación X" fue relativamente popular entre los medios de comunicación de la década de 1990 cómo forma de designar a quienes eran adolescentes en ese momento (y que irónicamente son los últimos miembros de dicha generación) y asociándolos generalmente con el canal de televisión MTV.

Gamers - Un jugador de videojuegos (en inglés, un gamer) es el término usado en el español para definir al tipo de jugadores que se caracterizan por jugar con gran dedicación e interés y por tener una gama diversificada de conocimiento sobre videojuegos.
María Mercedes Medina Santana.
“FÁBULA DE QUIMERAS”

     En el Museo de Arte e Historia de Guanajuato, siendo parte de la exposición “Arte/Sano ÷ Artistas 2.0” encontramos la escultura “Fábula de quimeras”, resultado del trabajo en conjunto de los creadores José Ángel Santos e Ismael Aguado.
    Barro modelado y bruñido, cantera, madera y fibra de vidrio, fueron modificados para lograr esta pieza. Consta de 3 pilares de aproximadamente tres metros de altura, los cuales están unidos en su parte superior con un soporte  en forma de escuadra, organizados de tal manera que su posición nos remite inmediatamente  a un triángulo isósceles. Colores cálidos como marrones y naranjas forman la mayor parte del diseño de los dibujos realizados, aunque también se observa un toque de azul para contrastar la composición.

     Un sueño muy fantasioso con criaturas raras y tal vez asombrosas, además de la interrelación que existe con el hombre,  es  lo que creo que  los autores quisieron representar aquí. Se pueden observar  figuras zoomorfas como felinos que interactúan y juegan con la naturaleza y  las pequeñas niñas ahí mostradas. Es un mundo imaginario, como el que cualquier infante puede crear con tan solo desprenderse de la realidad. Estas figuras son  ambiguas, por el hecho de que puedan provocar cierto temor  y alegría al mismo tiempo en el espectador.  Sin duda puedo decir que con esta obra se pretende dar  a conocer la importancia al soñar  y con esto me refiero al uso de la creatividad e imaginación para lograr estas realidades alternas que fungen como escaparate de la vida real y dejan al descubierto la verdadera naturaleza del yo.


ARCADE FIRE – REFLEKTOR
Por: Raúl Alvizo Barrientos



Reflektor es el nombre de la primera canción del nuevo disco de la banda canadiense Arcade fire, esta se tomo como sencillo de su cuarto disco que saldrá a la luz el próximo 28 de octubre, Reflektor es una muestra de lo que esta banda puede hacer en 3 años de no presentar material, fácilmente la denomino como una canción que dio un giro radical a lo que comúnmente conocíamos de Arcade fire, en ella se pueden encontrar claras influencias de Pink Floyd, David Bowie, hasta Scissor sisters.
Cambian ese estilo tan característico que tienen, dejan de lado el hecho de sonar como toda una orquesta en la cual se escuchen cada uno de los instrumentos, para crear algo mas lineal, se nota una clara base electrónica, en la que el sintetizador toma gran parte de la canción, cabe destacar que el tono de voz del cantante Win Butler sigue siendo tan limpio a como nos tiene acostumbrados, una voz suave que nos sorprende en algunas ocasiones con falsetes[1]  efectuados en los momentos correctos.
Tiene un sonido fresco (diferente a lo que conocemos de ellos), un gran ritmo, llega a ser pegajosa después de algunas veces de escucharla y por lo ya mencionado de las influencias notorias en ella tiene el potencial de llegar a ser una gran canción de Arcade fire.



[1] Falsete: forma de emisión vocal que usa la vibración de una parte de los pliegues vocales, que son estructuras situadas en la laringe próximas a las cuerdas vocales, se utiliza para alcanzar notas mas allá del registro vocal del cantante, tanto agudas como graves, aunque lo más frecuente es que se emplee para las agudas.
Por. Mahany Tehabet

-Giovanni vamos a trabajar, no perdamos más el tiempo-
¿Qué tiempo Fabio? He estado bajo estas paredes por  20 años y me estás diciendo que ¡No pierda tiempo!

CESAR DEBE MORIR

Es en 2012, cuando los hermanos Paolo y Vittorio Taviani una vez más deleitan cinematográficamente con “Cesar debe Morir”. Filme italiano que trae una propuesta muy interesante y arriesgada al hacer documental,  pues en esta ocasión deciden hacer mancuerna con la ficción.

Docuficción desarrollada dentro de la prisión romana de alta seguridad “Rebibbia”, mientras Fabio Cavalli, director de grupo de teatro de la prisión, monta “Cesar debe morir” de Shakespeare, con los reos como actores, y es precisamente aquí en donde los hermanos Taviani empiezan su labor cinematográfica, documentando paso a paso el proceso de la obra. Con un sutil empleo del blanco y negro además de una musicalización estremecedora, generando situaciones en donde la línea que separa la interpretación del personaje con “la vida real” es muy delgada, y una vez más el blanco y negro hace de las suyas, dándole al filme un fotografía capaz de transportar a esa Roma antigua.

Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca, Juan Bonetti, Vicenzo Gallo culpables de tráfico de drogas, crimen organizado, asesinato y virios crímenes más (información realmente innecesaria al momento de ver la película puesto que la combinación de dirección, fotografía, musicalización y  pasión de los “actores” componen un filme que emociona y al mismo tiempo llena de nostalgia) son algunos los encargados de interpretar a Julio Cesar, Marco Antonio, Bruto y Casio.

No es de sorprender que semejante obra teatral genere tantas emociones en el espectador pero si cabe destacar que el resultado del filme fue maravilloso, porque la emoción que la obra de Shakespeare generó en los presos al interpretarla es indudable pero lo que el filme captó fue asombroso, por una parte atrapó la pasión y emoción de los presos y debido a esa pasión logro capturar situaciones ajenas a los personajes, desnudándolos como seres humanos y no como presos-actores, lo cual es un punto importantísimo porque Cesar debe morir no pretense ser, ni es “un teatro filmado”, es una documentación de sentimientos, emociones y sobre todo un acercamiento al arte, solo basta ver una de las escenas finales en donde uno de los reos ingresa nuevamente a su celda mientras nostálgicamente dice: “Desde que me familiarice con el arte, esta celda se ha vuelto una prisión”, demostrando una vez más al mundo entero que en la cultura y el arte lo que se necesita es pasión y saberla orientar.



The Devil Put Dinosaurs Here / Alice in chains
Por: Brenda Osorio Niquet

The devil put dinosaurs here, Jesus don´t like a queer…


Tenemos de regreso, después de 4 años, a una de la bandas icono del grunge[1]: Alice in chains con the devil put dinosaurs here.  Segunda grabación de la banda con William DuVall como vocalista después de la muerte de uno de las mejores voces, el front-man[2] Layne Staley.
Aunque en estos días escuchar el regreso de una banda de los 80s o 90s suele ser decepcionante al darnos cuenta de su estancamiento, se puede decir que AIC es una de las excepciones, se sigue escuchando esa voz rasposa, esos riffs[3] crudos/melodiosos, y ese bajo que te llega hasta los huesos, pero ofreciendo algo nuevo, algo para ver a futuro y una cara más oscura de la agrupación.
Dejando atrás los elogios y todo el álbum en general, me enfocaré exclusivamente al video del segundo sencillo que lleva el mismo nombre “The devil put dinosaurs here.”
Bajo la dirección de Travis Hopkins encontramos: un conductor que termina vestido de satanás, una botarga de conejo con una sierra eléctrica, un payaso escupiendo sangre, y el progreso del miedo en el rostro de los niños, el show infantil más aterrador y grotesco transmitiendo el mensaje: “El demonio trajo a los dinosaurios a la tierra, y a Jesús no le gustan los extraños”.
Acompañado con la canción que crea una gran combinación con escenas horríficas, AIC nos muestran una fuerte crítica al dogmatismo religioso y el lavado de cerebro creado por los medios masivos de comunicación, dejándonos un desagradable buen sabor de boca y con ganas de no perder la pista de estos estadounidenses.


[1] Grunge: Género musical: se caracteriza por guitarras distorsionadas, melodías repetitivas y baterías pesadas, letras acerca de la libertad, los marginados, la opresión etc. También conocido como sonido de Seattle.
[2] Front-man: Líder de la banda.
[3] Riff: Frase repetitiva, normalmente ejecutada por la sección de acompañamiento.

lunes, 28 de octubre de 2013

Por: Rodrigo V





Lo que existe después de la muerte es algo ignoto para los vivos, sin embargo, no estamos limitados en manifestar este hecho, tal es el caso de René Castillo en el cortometraje “Hasta los huesos”.


Es un colectivo imaginario del mexicano ante la muerte, cortometraje lleno de humor cultural de la trascendencia de la vida a un estado inerte del ser vivo, pero sólo en este mundo material, ¿después de ello que viene?, a la interpretación de René Castillo y que tal vez exista en la mayor parte de los seres humanos (de cualquier parte del mundo): la fiesta, alcohol, baile, comida, música, goce en su totalidad, quizá la muerte es más placentera que la vida Independientemente de sus creencias, muerte sin duda alguna es un descanso.

Lo que me llama más la atención del cortometraje es que no se visualizan ni un cielo, ni un infierno, sino más bien un lugar en dónde se consume la carne por la putrefacción natural y engusanamiento propio del cuerpo, se maneja el miedo por la muerte, el duelo y la resignación, una forma tanatológica de asimilar que no somos eternos.

La catrina acompañada de su fiel compañera serpiente emplumada es iconográficamente representativa de México, y en voz de Eugenia León llega a tal punto que realza la armonía y sutileza al canto tradicional de la llorona, además la música instrumental maneja siempre continuidad y congruencia a las imágenes proyectadas; Tiene sentido, está muy bien cuidado, desde los detalles de música, animación, voz, personajes primarios y secundarios, significados y significantes de lo visual.

Espero que lo disfruten, tanto como yo.

Link: