Por. Mahany Tehabet

DOGMA #1

FESTEN (LA CELEBRACIÓN)

“Cuando surgió dogma 95, el cine estaba dormido y arrogante, y queríamos hacerlo despertar. Queríamos evitar los convencionalismos a la hora de filmar. Por eso las reglas y restricciones. Cuantos más límites te pones más te liberas. Es irónico, pero funciona”

THOMAS VINTENBERG

FESTEN, 1998. Primer filme dogma, dirigido por el danés Thomas Vintenberg. Con una historia sencilla, en donde la celebración de 60 años de Helge, patriarca de la familia, se convierte en el punto principal tanto en historia como en escenario. Celebración, a partir de la cual se irán desencadenando situaciones caóticas entre los miembros de la familia: Christian, Michael, Helene y Else, siendo el incesto y abuso sexual los temas que  predominen en los diálogos de los personajes.

Este largometraje de 105 minutos, es parte del Dogma 95, movimiento cinematográfico danés que nace el 13 de marzo de 1995 impulsado por Lars Von Trier y Thomas Vintenberg, con 10 reglas y restricciones que decían como se tenía que filmar, todo esto “como una operación de rescate para recuperar la pureza del cine”.

Thomas Vintenberg en esta ocasión logra hacer un trabajo espectacular con los elementos que le son posibles; con el manejo de la cámara en mano, logra obtener tomas sublimes no solamente por capturar emociones y expresiones de los personajes sino por la belleza visual que muestra en las radicales tomas del montaje. Otro elemento digno de mencionar es la ausencia de banda sonora o score, valiéndose únicamente de la música que la escena brinda en el momento. La luz en esta ocasión juega un papel muy importante, ya que debido a las “restricciones” del Dogma, es imposible el empleo de luz artificial y filtros por lo cual se debe aprovechar la luz natural que el espacio proporciona, generando a lo largo del metraje imágenes más oscuras y quemadas que otras pero que visualmente son una locura, haciendo aún más disfrutable su contemplación además de tener un final indiscutiblemente majestuoso.

Festen es un filme en donde todos los personajes brillan por si solos sin importar las veces de aparición de estos, en toda la extensión de la frase “no hay personajes pequeños”  todos están en el lugar que deben estar, desde Urlich Thomsen (Christian), Thomas Bo Larsen (Michael) hasta Lars Brygmann (recepcionista). 

Sin lugar a dudas Dogma 95, Festen y los demás filmes dogma fueron un parteaguas en la historia del cine, como en los 60´s los fue la Nouvelle vague con Jean Luc Godard y François Truffaut. Dogma 95 viene a retomar los principios básicos del cine, después de 100 años del surgimiento de este y de la invasión tecnológica en el ámbito cinematográfico en los 90´s. Dogma 95 duro lo que tenía que durar e hizo lo que tuvo que hacer durante 7 años.

“Salimos del dogma para no repetirnos. Cuando la revolución tiene éxito y se pone de moda, no hay opciones. Tienes que ir a lo opuesto”.

 THOMAS VINTENBERG

LAS HORAS

 Por: Yesenia Alejandra Ibarra Munguía.

Las horas es una película dirigida por Stephen Daldry y David Hare bajo el trabajo de guion, basada en la novela  de Michael Cunningham, se estrenó en el 2002 en Estados Unidos, en la música participa Philip Glass y en fotografía estuvo a cargo Seamus McGarvey. Tuvo participaciones importantes como Nicole Kidman, Meryl Streep y Julianne Moore.

Tres vidas pesadas, llenas de insoportables horas de inconformidad que han de ser vividas sin sentido por tres mujeres; depresivas, vacías de sí mismas, dudosas de sus propios afectos y llenas de todos los miedos sin respuesta. Una escritora enajenada (Virginia), una lectora depresiva (Laura) refugiada en la historia de Virginia y las víctimas de lo narrado (Clarissa y Richard).

Historia dramática sobre tres mujeres en tres épocas diferentes, ¿Qué tienen en común?, encontrarle sentido a la vida. Inicios de los años 20, Virginia Woolf escritora en un pueblo de Londres, sufre de depresión y alucinaciones al mismo tiempo que escribe su novela “Mrs. Dalloway”, al otro lado del mundo y a finales de la Segunda Guerra Mundial en Los Ángeles, Laura Brown, una mujer amante de la lectura, casada, embarazada y con un hijo pequeño, comienza a leer el libro “Mrs. Dalloway” le resulta tan emotivo y revelador que llega a considerar cambiar su vida pues encuentra empatía en la novela. Mientras tanto en Nueva York, Clarissa Vaughan está personificando la novela que escribe Virginia Woolf pero en un tiempo actual, socialmente asumida homosexual, quien vive con su pareja.

La película de este libro no se habría podido realizar sin la música de Glass, su música trasmite ese ambiente melodramático que Cunningham crea al meterse en la mente de sus personajes, el trabajo de Glass une a las tres mujeres para mostrar sus vínculos, la música no es un adorno como sucede en otras cintas, aquí tiene un papel importante ya que el tono del libro se traduce en música y ahí donde no puede llegar la Música de Glass están los actores y las actrices para abarcar con su trabajo todos los matices y detalles de la obra.

Las Horas da cavidad a una reflexión sobre diferentes aspectos de la vida, merece ser vista con realismo, razonamiento y por encima de filosofías negativas y vacías, ya que aparecen conflictos sociales como la depresión, inconformismo homosexualidad, enfermedades, etc.

Sin embargo, esta cinta llega a tener sus fallas en un trasfondo, en cuanto a que es un producto dirigido a los premios como lucimiento de un elenco de actrices de renombre y la tan aplaudida actuación de Nicole Kidman, que para mí fue una pretensión más bien por el papel que le dieron (Virginia Woolf) que en sí la actuación que hizo; si discutiera el punto de la mejor actuación, a mi ver seria Julianne Moore, ella mantuvo el género de la película de inicio a fin, su tristeza mantenía la unión y el drama a comparación de Virginia que a pesar de que ella tuviera el futuro en sus manos –por así decirlo- su actuación me pareció algo fingida y dramática en un sentido comercial. La recreación de épocas, la cuidada ambientación y la paleta de colores predominante en cada una de las historias son impecables, la composición de cada cuadro hace ver la marcada situación en la que se encuentra a la hora de cambiar de escenario haciendo que el espectador no se pierda. El contraste que se establece en las tres variaciones pone en claro la relatividad de las medidas del tiempo, evita la linealidad, la posibilidad de que un momento del así llamado pasado se reactualice en otro del presente o del futuro, y pone de relieve también la identificación entre los personajes. Y todo eso gracias a un estupendo trabajo de montaje que logra la continuidad espacio-temporal y desarrolla un excelente sentido del ritmo y fluidez en cuanto a las escenas, acomodo del guion y transcurso de la historia.

http://www.youtube.com/watch?v=rpGyCh46dpU

Por: Miguel Ángel Peña

La obra escultórica denominada 'Cubos', del michoacano Javier Marín, es una serie de nueve cubos de bronce apilados en forma piramidal, que aluden a distintas partes del cuerpo humano, así como a los sentidos y a la expresión facial. Contemplar esta obra me evoca diversas sensaciones, por ejemplo, las nalgas y los pechos, una indudable provocación a despertar los instintos de la sexualidad. Los ceños fruncidos, por su parte, desaprobación, fuerza, justicia.       Los cubos que expresan a los labios a punto de soplo, a los oídos atentos y a los ojos vigilantes me remiten al perfeccionamiento y al refinamiento de las antiguas esculturas de la Grecia clásica.

                Cubos denota sin duda un exacerbado humanismo contemporáneo; su ubicación en el espacio logra intervenirlo amenamente. El color bronce de las piezas se destaca entre árboles de tabachín y jacaranda de forma muy orgánica; el resultado es una sutil intervención del hombre en el espacio natural, la cual me invita a sentirme complacido y orgulloso de mi propia humanidad.

                Cubos se encuentra localizada de forma permanente en el Jardín de las Esculturas del Fórum Cultural Guanajuato, en la ciudad de León.

10 Años de Reptilia

Por: Raúl Alvizo Barrientos

El pasado 28 de octubre se cumplieron 10 años del lanzamiento del segundo disco de The Strokes, titulado Room on fire, un disco que le dio la vuelta a toda la música en ese tiempo, que se defendió de su legendario hermano mayor Is this it. Room on fire cuenta con una satisfactoria cantidad de canciones que no pasan desapercibidas, muchas de ellas llegando a ser consideradas grandes éxitos de la banda.

Dentro de este gran disco compuesto por 11 canciones, hay una que resalta en particular: Reptilia, desde el primer momento en que escuchas el bajo a una alta velocidad te empiezas a recargar de energía que se impulsa con la guitarra principal haciendo notas increíblemente pegajosas, sumando un buen ritmo en la batería y la arenosa voz de Julian Casablancas se crea todo un deleite para los oídos.

Hay una parte de la canción que te saca una sonrisa en especial por lo inusual que estas escuchando, se detienen todos los instrumentos después de haber estado tocando algún tiempo, en orden: empiezan los acordes de la guitarra de acompañamiento, seguido por las notas del bajo, después un retoque de batería, inmediatamente la voz del cantante y finalizando con la guitarra principal haciendo notas en forma de serpiente que parecen terminarían en la boca del diablo.

Esta canción le dio una fama más internacional a la banda, desde su aparición en el videojuego: Guitar hero 3 legends of rock, hasta aparecer en comerciales como el de tequila José cuervo tradicional en nuestro país. Cuando me preguntan por The Strokes a uno le llega inmediatamente Reptilia a la cabeza y no es por demás ya que es considerada una de las más grandes canciones del siglo XXI y después de dejarme sin pensamientos cada vez que la escucho solo termino diciendo: es jodidamente increíble.

http://youtu.be/b8-tXG8KrWs

Por: Fabiola Vera Becerra

Do-Re-Mi (Mike Tompkins y Chester See)

Mike Tompkins es un productor e ingeniero musical canadiense que usa únicamente su voz para crear los sonidos de diversos instrumentos.

Chester See es un actor, músico, cantante, compositor y comediante, ha escrito música para Warner / Chappell Music y es más conocido por sus creaciones publicadas en YouTube.

Do-Re-Mi es una canción incluida en la banda sonora de una nueva producción que será estrenada en NBC, originalmente de The Sound Of Music un musical de 1959, el cual inspira esta nueva producción.

La canción es interesante y divertida, en ella participa todo el elenco de la película y Mike junto a Chester le dan un toque de originalidad, ya que la música que acompaña las voces del elenco es producto de lo que pueden hacer con su voz, lo cual es impresionante, los sonidos son armoniosos y llenos de energía. Tiene cierta escala comenzando lentamente con pocos sonidos, va aumentando y la melodía se vuelve más rápida y rítmica, después baja el ritmo y sólo es una voz con un sonido y terminan cantando todos generando una explosión de ritmos alegres y espontáneos.

Cabe destacar el talento de Mike Tompkins quien dirigió esta canción, pues sorprende con esa fusión de sonidos llenos de creatividad y realismo en cada uno de los covers que ha realizado de canciones conocidas y sus composiciones, un gran artista nato y recomendado.

Video Do-Re-Mi: http://www.youtube.com/watch?v=pmyZEfwuxsg#t=99

Canal Mike Tompkins: http://www.youtube.com/user/pbpproductions

Canal Chester See: http://www.youtube.com/chestersee

Por: Mariana Carolina Ramírez González

Se  presentó: En el piso (café del centro) el sábado 23 de noviembre

El evento fue una presentación de varios participantes unos eran djs y otros vjs, y mientras unos proyectaban sus imágenes en una pared de fondo del café los otros tocaban un poco de música como djs. En general estuvo fluido y en armonía solo por ratos se rompía un poco esa fluidez por el cambio de djs ya que se apagaba la música.  El peso visual recaía mucho en los visuales, cautivaba demasiado al público más a veces que la música. Pero por ratos era a la inversa ya que lo que proyectaban era algo monótono. En general las obras estuvieron fluidas y entretenidas su mensaje era dar a conocer sus proyectos al público y pasar un buen rato.

 
 

Por: Erika M. Brera Herrera

Vienna Johann Strauss Orchestra
Noviembre 2013
Teatro del Bicentenario

Se trata pues de la presentación de la Viena Johann Strauss Orchestra, presentada en el teatro del bicentenario, de la ciudad de león, en el mes de noviembre, ejecutada por el director de Orquesta Johannes Wildner. El evento contó  con nueve piezas e intermedio, cuya especialidad de la orquesta son las polkas y los valses, abarcando el espectáculo así todo el programa. Sorpresa final, pues de agradecimiento accedieron a tocar tres piezas más.

No pretendo abarcar los comentarios críticos respecto a la técnica y ejecución de  la música, puesto que no soy experta en el tema, y si tomamos en cuenta su aparición –reunión los mas destacas músicos de las más famosas orquestas vienesas- deben de contar con alto nivel de ejecución.

Me queda por nombrar la particularidad de esta orquesta, o en caso más especifico, la presentación del teatro del bicentenario, fuera del esquema de lo formal, que una orquesta debe tener, se incluyeron en este, una serie de elementos haciendo acentos en la música, quizá sea propia de la canción, pero parecían darle un toque especial y más alegre.

Al finalizar, y en muestra de agradecimiento, tocaron tres piezas más, tres polkas acompañadas de una pequeña intervención entre dos músicos, un pequeño montaje, una riña a mitad de la  canción, un duelo de instrumentos, una combinación divertida de sonidos.

Fue algo que rompe un poco con lo lineal que pueden ser.

http://www.youtube.com/watch?v=b0d98tfh-Iw&hd=1

Ejem.
Jockey-Polka, polka rápida, Op. 278.
Que se hacen sonar un par de maderas, crea la sensación de escuchar  el fuete sobre el caballo. En el video se ve todo muy tranquilo, serio, en realidad nada parecido al que menciono, esa es la diferencia.
(Obvio no eran todos esos, solamente eran 41 músicos)

Por: Gabriela García Sánchez

The Phantom of the Opera.

El fantasma de la ópera es la última adaptación cinematográfica de la famosa novela de Gastón Leroux. La película fue dirigida por Joel Schumacher y Tim Burton, quienes se sumaron también para escribir el guion junto a Andrew Lloyd Webber y estrenada en 2004.

Sinopsis.

La historia empieza en París en  el año de 1919 en una subasta pero se desarrolla en el año de 1870. La Ópera de París prepara el estreno de su espectáculo más esperado, pero un misterio se oculta tras los camerinos y  las profundidades del teatro: la presencia de Erick, un Fantasma (Gerald Butler). Nadie sabe qué o quién es, pero sus apariciones son cada vez más frecuentes y siembran el pánico entre el público. Sólo Christine (Emmy Rossum), una joven bailarina, puede acercarse a él: el Fantasma es su maestro de canto. Lo que Christine ignora es que el Fantasma está profundamente enamorado de ella y no permitirá que nadie se interponga en su camino.

 La película se me hace   muy buena,  en la primera escena donde  están subastando las cosas que se quedaron el en teatro cuando llegan al candelabro roto que curiosamente  tiene el lote 666 que es el número del diablo empieza a indicar que viene  algo obscuro,   es la primera conexión que hacen del presente con el pasado, esta escena se me hace fabulosa y más cuando la ves en una pantalla grande,  el presente está en negro y blanco pero al momento que destapan el candelabro para ponerlo en su lugar que tenía antiguamente, e introducen la música prenden los focos ya con energía eléctrica se  comienza dar un aire  polvoriento que se  empieza   a mover  por los lugares del teatro:  las butacas, las estatuas, los quinqués hasta los pequeños detalles polvorientos empezando a cambiar la luz eléctrica por la luz de las velas, el aire va pasando y  va cambiando al tiempo donde se dio su época de oro, ese  efecto de cómo van introduciendo  el color a todo y como van introduciendo la música es algo que disfruto ver.

El vestuario que utilizan se me hace un  muy buen vestuario desde lo  no se ve falso, como en muchas otras películas  el maquillaje es fantástico,  las escenas están bien hechas  y tienes ese toque  macabro que tienen que tener en algunas partes , las escenas están bien hechas, enfocadas le supieron dar ese toque fantástico, realmente se me hacen escenas bien hechas con  todo su escenografía , en la escenografía  no se ve descuidos, supieron adaptar la música con el guion,  la adaptación de la música, con las escenas , entonces por esto deduzco que quien la guio tiene una buena dirección escénica y musical.

Realmente es una película que es digna de verse y disfrutarse.

CD1

Prologue

Overture / Hannibal

Think of me

Angel of music

Little Lotte / The mirror

The Phantom of the Opera

The music of the night

Magical Lasso

I Remember / Stranger than you dreamt it

Notes / Prima Donna

Poor fool, he makes me laught / Il Muto

Why have you brought me here / Raoul I've been there.

All I ask of you

All I ask of you (Reprise)

CD2

Masquerade / Why so silent

Madame Giry's tale / The fairground

Journey to the Cemetery

Wishing you were somehow here again

Wandering Child

The swordfight

We have all been blind

Don Juan

The point of no return / Chandelier crash

Down once more / Track down this murderer

Learn to be lonely

Por: Sandra Lozada

REVOLUCIÓN

“Revolución” es un trabajo realizado de manera colectiva, conformado por diez cortometrajes que  tienen como tema en común la Revolución Mexicana, dirigidos por Mariana Chenillo, Fernando Eimbcke, Amat Escalante, Gael García Bernal, Rodrigo García, Diego Luna, Gerardo Naranjo, Rodrigo Plá, Carlos Reygadas y Patricia y Jorge Riggen. Estos cortos nos muestran un abanico de situaciones plasmadas de manera muy personal, presentándonos nuevas propuestas y puntos de vista un tanto contemporáneos de cómo algunos aspectos vividos ahora, tienen que ver con este tema tan propio de los mexicanos.

La patria, la religión, la familia, la parranda o la superación, unidos a la crítica social del país son aspectos que se manejan dentro de este largometraje y en el que se pretende tener un enfoque hacia la propia reflexión de la sociedad.

“Lindo y querido” de Jorge y Sofía Riggen es el único cortometraje con tintes un tanto de comedia y en el que el objetivo principal es el regresar a un inmigrante mexicano a su tierra para que al fin pueda descansar.

En “La tienda de raya” de Mariana Chenillo nos damos cuenta de las situación actual de esta práctica que se consideraba ancestral pero que al igual que otros aspectos revolucionarios siguió trascendiendo el tiempo.

Otros cortometrajes como “R-100” y “30- 30” nos muestran el pasado y las maneras de vivirlo o recordarlo, en  “R-100” lo mejor es olvidarlo y continuar la vida a pesar de las dificultades que se presenten y en “30-30” el pasado se convierte en un orgullo…aunque a nadie le importe.

Terminamos con un trabajo fantástico filmado en cámara lenta “La 7th Street y Alvarado”, en donde Rodrigo García nos proyecta su manera de percibir a los fantasmas de la revolución en un país en donde esta premisa resulta indiferente.

La diversidad narrativa de los directores y las distintas propuestas tanto de paisajes, fotografías o simplemente contextos han creado en este trabajo una visión muy  plural del pasado mexicano con todo y las consecuencias que esto trajo consigo.

http://www.youtube.com/watch?v=iQ0Z4lzWJEU

Título: Revolución

Año: 2010

Duración: 106 min.

Productoras: Canana Films, IMCINE, Mantarraya Producciones, Tres Generaciones (Eficine), CONACULTA, Terminal

Directores: Mariana Chenillo, Fernando Eimbcke, Amat Escalante, Gael García Bernal, Rodrigo García, Diego Luna, Gerardo Naranjo, Rodrigo Plá, Carlos Reygadas y Patricia y Jorge Riggen.

Por: Melissa Galván

Låt den rätte komma in-

“Låt den rätte komma in” (déjame entrar) es una cinta de origen Sueco basada en la novela de John Ajvide Lindqvist del mismo nombre y dirigida por Tomas Alfredson la cual se estrenó a principios del 2008 y que ha sido acreedora a varios premios otorgados por la industria cinematográfica, entre ellos el Méliès d'Or a mejor película Europea (en el mismo año de su estreno) , el Jameson Empire a la mejor película de horror en 2010 y  el máximo galardón en el Tribeca Film Festival.

Esta cinta de suspenso nos relata en 110 minutos la historia de Oskar (Kare Hedebrant) un niño de 12 años que sufre el rechazo , la humillación y las burlas de sus compañeros de clase , motivo por el cual se ha convertido en un chico aislado y solitario que anhela con tener al menos un amigo , una noche dicho deseo parece convertirse en realidad con la llegada de Eli (Lina Leandersson) , una chica misteriosa de tez pálida y aspecto extraño de su misma edad que se muda a lado de su hogar  con la cual desarrollará una peculiar relación amistosa y cuya llegada coincidirá con una serie de inexplicables asesinatos .

Este film logra captar la atención desde la primer escena en la cual se visualiza a Oskar  tras una ventana proclamando las palabras “Chilla cerdo , chilla “ mientras sostiene un cuchillo con una mirada que denota venganza  , es justamente en ese momento en el que se puede intuir que uno no será participe de otra típica historia cliché sobre amor y vampiros , la película en si posee un ritmo lento  que en ocasiones hace que  simplemente te den ganas  de parar la cinta y dejarla en el olvido , pero hay algo misterioso en ella que hace que no puedes dejar de verla  , ¿ será acaso  la curiosidad por no decir morbo que provoca el  ser testigo de  la intensa e inusual  relación de un par de niños de 12 años?  O son solo las escenas en  las cuales Lina Leandersson y  Kare Hendebrant forman parte , ya que curiosamente la película parece decaer cuando ellos no están en la pantalla , sea cual fuere la respuesta en lo que no cabe duda es que lo más brillante de la película fueron las actuaciones de este par  ya que es tal  su fuerza de interpretación  (en especial la de Lina) que te hace dudar de  estar siendo testigo de una historia protagonizada por un par de adolescentes inclusive llega un punto en  el cual  llegas a olvidarlo y a pensar que estas presenciando la historia de un par de adultos y su amor imposible ,  a mitad de la película hay un par de  escenas que de no ser por la madurez actoral  y  seriedad  de  estos chicos podrían haberse tornado escandalosas para el público , otro factor interesante de este filme son sus elementos visuales y musicales pues en conjunto logran crear una atmosfera de melancolía ( en especial la fotografía de  Hoyte van Hoytema ) que son capaces de transmitir al público emociones y sensaciones tan reales que uno puede sentir un profundo asco por los charcos de sangre que corren en el piso como si en verdad los estuvieses viendo y oliendo en la vida real , además uno  literalmente  quisiera entrar en la pantalla y hacer justicia en mano propia ante los chicos abusivos que atormentan a Oskar , se siente el frio y el calor a flor de piel , y  una especie de  ternura mesclada con tristeza que te estremece desde el  momento en el cual Oskar y Eli cruzan sus primeras palabras.

*Nota: Recomiendo ampliamente  que si gustas verla lo hagas en su idioma original con subtítulos en español, pues los doblajes en Catalán e inglés modifican el sentido de varias escenas de la película.

“NOVIEMBRE”

Por Dapfna Paola Morfin Ruvalcaba.

Año: 2003

•                 País: España

•                 Director: Achero Mañas

“Querían cambiar el mundo y tenían el arma más poderosa para conseguirlo… su arte.”

Esta película está llena de idealismo, Alfredo nuestro protagonista decide crear una forma de arte más libre, hecha con el corazón y capaz de hacer que la gente se interesara y se involucrara. El significado de teatro para él iba más allá del escenario, se llevaba a cabo en  la calle y para todo  público.

La idea principal de este grupo de arte independiente era lograr que el espectador dejara su papel de espectador y pasara a ser parte de la representación y pudiera sentir lo que los actores transmitían. Ver el teatro como una forma de vida, más que una profesión.

Es una película muy amena, interesante y entretenida; logra una función divertida.

Es un claro ejemplo de que la motivación, ganas y coraje pueden hacer que logres tus metas; porque no es suficiente con el querer hacerlo también hay que llevarlo a cabo

Les comparto una frase que me gustó mucho:

“yo también quiero cambiar este puto mundo”

Por: Rodrigo V

El pene de Brent Ray Fraser

Artista visual y performance. Brent Ray Fraser artista vanguardista, contemporáneo, desinhibido, capaz, atrevido, que en la actualidad está llevando la forma de pintar a otra forma de ver la pintura y sus realización, la técnica no es muy distinta a la tradicional, sin embargo si la herramienta aplicada. Nos da muestra de un espectáculo único y  se va apropiando de los medios actuales para poder sobresalir en este mundo, rompiendo fronteras y así invitar a los espectadores a conocer su arte.

Fraser nos atrapa de forma virtual al presentar su manera “peculiar” de pintar ya que lo hace con su pene, en vivo, aunque no utiliza las manos para hacerlo, con su pene detalla mucho la estructura de sus pinturas, logra la realización de cráneos, o simplemente sólo plasma su miembro, en el lienzo.

Casi todas las piezas realizadas por él son de una forma agradable a la vista, genuinas, algunas experimentales, inclusive eyacula sobre los lienzos antes o después de la exhibición; “Arte erótico” es como Brent define su arte, ya que lo hace desnudo frente al público en algún escenario convencional o vía virtual frente a los espectadores, aunque o todo lo que hace es de esta forma, a este artista controversial le gusta la manera de plasmar así la pintura.

Seguramente esté artista contemporáneo nos dará de que hablar y muchas piezas interesantes que observar en un pronto futuro…

Links:

http://www.brentrayfraser.com/

http://vimeo.com/69664721

Por: Eugenia Aceves

“Niña que nació de un cascarón”

 Obra escénica multidisciplinaria de la Universidad de Michoacán de San Nicolás Hidalgo.

Lugar: Salón de Danza de la Universidad de Guanajuato.

Al entrar a esta presentación el salón o escenarios estaba divido en tres secciones, la primera era una esquina con una cuerda marcando el espacio entre el público y las cuatro bailarinas donde estas al final estaban sentadas de cazuelita en el piso frente al público entre ellas y la cuerda había una tela de color café, acompañadas con el saxofón durante toda la presentación, haciendo un ambiente aún más agradable, nuestras interpretes empezaron hacer gesticulaciones y a mover su cuerpo de una manera muy primitiva al ras del suelo ,después de un pequeño rato estas terminaron cerca del publico interactuando con la cuerda que marcaba la diferencia del piso y su improvisado escenario.

En el segundo escenario aun acompañado con el saxofón nuestras intérpretes se pusieron unas máscaras y un vestuario un poco más elaborado, donde las cuatro vestían algo muy diferente  una de la otra. En este acto se invitó al público a formar un círculo alrededor de una manta blanca circular, donde ellas bailan ya paradas, pero, aun así de una forma que resaltaban algunas partes de su cuerpo sin ser movimientos muy fuertes y exactos como en algunas disciplinas de baile, esto recordando como a un sacrificio o ritual, Ya que con su utilería (piedras) marcaban una cruz dentro de un circulo.

En el tercer acto el público interactuó aún más con la presentación, ya que nos metieron dentro de una manta blanca, donde en la oscuridad una voz en off en forma de pregunta, nos recuerda de dónde venimos, que sentíamos  y que recordamos de cuando aún éramos un feto, al salir de esta manta blanca, por el calor que se sentía dentro, fue como un volver a respirar y renacer en este mundo.

Así que creo que los tres escenarios, en que estaba dividida esta presentación fueron muy acertados ya que todos te llevan a recordar y pensar  en un mundo antes de tu llegada a esta tierra.

Por: Eugenia Aceves

Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí

Director General y Artístico: Mtro. José Miramontes Zapata

Domingo 17 Noviembre.

El escenario como en cualquier otra orquesta acomodado con sus sillas y sus instrumentos, nada más que, en ésta el piano estaba como instrumento principal, haciendo que el escenario luciera aún más.

Durante la presentación se tocaron grandes piezas de la música clásica, como de Beethoven, Bach, Vivaldi, y otros más, haciéndonos recordad estas composiciones con gran alegría. Algo curioso es que en la parte superior del escenario había una proyección, la cual junto con las piezas en ejecución nos mostraba datos curiosos de la misma, a mi parecer una gran idea.

También, no me había tocado que durante algunos solos, algunos instrumentos salían del escenario y cuando era necesario que volvieran a tocar regresaban a sus lugares determinados en la orquesta, dejando el escenario un poco solo y sombrío.

Se tocaron varios solos durante la presentación como los oboes, el clarinete y el piano con el cual se terminó la presentación, recibiendo un efusivo aplauso del público, por la excelente ejecución del pianista (José María Espinosa).

Por: María José Torres Zavala.

La noche la producción del “Gaucho” del 2011, un disco en que acompañaron músicos de talla como el “Mariguas” (bajista) y Tania Ugalde (cantante) en la última presentación.  En las dos presentaciones que ha tenido desde su lanzamiento, ha ido la misma gente, poca difusión por parte del mismo Gaucho.

El disco tiene canciones con tintes de soledad, disgusto al amor, otras con la vida siempre es trágica. Todas estas canciones son de la autoría del Gaucho, aunque sea un excelente guitarrista, como cantante no lo es, en la última presentación Tania interpreto algunas canciones así fue más ameno escuchar todo, son canciones muy profundas, el mensaje que manda el Gaucho es confuso ya que no se ha vivido lo mismo, y puede que intente mandar el sentimiento del momento en que escribió la canción sin embargo es difícil entender. La música que acompaña las letras es muy buena, simplemente la voz no lo ayuda.    

http://www.youtube.com/watch?v=Z5ALXPaCGR4

Por: Vania Gutiérrez Rodríguez

“Tolerantia”

Cortometraje realizado por Ivan Ramadan en el 2008. Primer cortometraje de animación 3D producida en Bosnia y Herzegovina. Cuenta con numerosos premios y una nominación al Mejor Cortometraje Europeo por la academia de Cine Europeo.

El final de la última era de hielo, el inicio de una era en donde la frialdad permanecerá.

El deshielo, el despertar de un ser que tendrá que empezar a constuir su futuro. El personaje principal despierta; comienza a mover piedras, a construir algo. Al compás de la música el hombre construye un templo, en donde dejará plasmada su ideología. Al terminar de realizar este arduo trabajo, cae en la cuenta de que no es el único construyendo algo grande, creyendo en algo y adorando a algo. Y así es como comienza esta interminable batalla: el hombre contra el hombre.

Comienza la lucha entre ideologías, siempre la violencia saliendose con la suya. Este cortometraje nos muestra dos hombres de otra época, sin embargo su comportamiento lo podemos ver hoy en día; escalofríos siento al ver reflejados nuestros problemas políticos y sociales en estos 6 minutos.

Somos capaces de inventarlo todo por no querer abrir nuestra mente a los diversos puntos de vista que existen, una catapulta por ejemplo, para acabar con aquello que tú crees y que no quiero que creas. A manera de metáfora se muestra como el hombre ha trabajado para llegar alto, pero también para lograr destruirse. Tolerancia, eso es lo que se debe construir. 

Cortometraje: http://www.youtube.com/watch?v=FrjQrXc80cY

Por: Vania Gutiérrez Rodríguez

“El vendedor de humo”

“Ganarse la vida haciendo feliz a la gente

debería ser una tarea fácil,

sin embargo, hay veces que las cosas

no son lo que parecen y

 entonces todo se complica...”

Cortometraje de animación realizado en el 2011 como proyecto en la escuela de animación “Primer Frame”. Dirigido por Jaime maestro. Ha ganado numerosos premios, incluyendo el Goya al mejor cortometraje de animación en el 2012.

Un vendedor ambulante, un especialista en cumplir los sueños de la gente o mejor dicho, de levantar cortinas de humo que cubran la realidad. Una carreta con un escenario se detienen en un pueblo solitario y de una manera espectacular se asienta en la plaza, un hombre de buena imagen baja de la carreta e intenta presentar su show; él es, por supuesto, el vendedor de humo. No hay nadie presente, no hay nadie a quién venderle ilusiones, todos en el pueblo están muy ocupados en sus asuntos.

Después de varios intentos, logra llamar su atención. Comienza a volver “realidad” los sueños y deseos de sus clientes; las monedas comienzan a llenar su baúl. Es intrigante la manera en que con un simple humo mágico todo puede volverse realidad; bueno, humo mágico y la capacidad de convencimiento que tiene este impostor. Pinta con acuarelas un mundo gris, al llegar la lluvia todo aquel color que pudo haber existido se ve totalmente eliminado por el agua. Todo era una ilusión para llenar su baúl, todo un disfraz para ocultar la realidad por unos segundos. Al final se puede observar que hasta él mismo era humo cuando estaba tratando de venderse; apariencias y mentiras, eso es justo lo que él vendía.

Esto pasa día a día, el consumismo y la idea de las marcas nos atacan. Vivimos en un mundo en donde humo es lo que nos venden y humo es lo que somos, máscaras, mentiras y apariencias. Tristeza y esperanza es lo que viene a mi mente al pensar en la lluvia, la lluvia es cada una de las personas que no cree en ese humo y ve la realidad, necesitamos más lluvia para acabar con los vendedores de humo.

Cortometraje: http://www.youtube.com/watch?v=dwWqMgddes4

Por: Laura Nayeli Castillo

En lo personal me gustan mucho las poesías de Mario Benedetti, ya que pienso que sus escritos intrigan mucho al momento de leerlos por plasmar sus temáticas de amor y justicia con gran pasión que  vale la pena apreciarlos e  imaginarse el gran sentimiento inigualable que les proporciona a sus poemas al momento de escribirlos. A pesar de manifestar escritos con diferente materia siempre hace uso de un gran estilo

Una demostración de tantas composiciones es; Las primeras miradas…

Nadie sabe en qué noche de octubre solitario,

de fatigados duendes que ya no ocurren,

pueden inmolarse la perdida infancia

junto a recuerdos que se están haciendo.

Que sorpresa sufrirse de una vez desolado,

escuchar como tiembla el coraje en las sienes,

en el pecho, en los muslos impacientes

sentir cómo los labios se desprenden

de verbos maravillosos y descuidados,

de cifras defendidas en el aire muerto,

y cómo otras palabras, nuevas, endurecidas

y desde ya cansadas se conjuran

para impedirnos el único fantasma de veras.

Cómo encontrar un sitio con los primeros ojos,

un sitio donde asir la larga soledad

con los primeros ojos, sin gastar

las primeras miradas,

y si quedan maltrechas de significados,

de cáscara de ideales, de purezas inmundas,

cómo encontrar un río con los primeros pasos,

un río –para lavarlos- que las lleve.

Al leer esta poesía me da la impresión de  que plasma sensibilidad, humildad e Inteligencia.

Por: Erik Rafael Sánchez Carlos

Se vende crítica contemporánea

Que les pareciera que estas palabra  que están leyendo valieran  100,000 millones de  libras,  así  es,  es una exageración, pero tal vez un día en el futuro puede que se realice  esta fantasía,  eso es lo que ha sucedido con el arte contemporáneo,  la explotación  y la especulación con la que se aborda   la última década   del  consumo del  arte   de nuestro tiempo  está por los cielos, lejos  del juego   de  coleccionistas de objetos   artísticos, nos preguntamos continuamente  ¿El arte se hizo para venderse?  ¿El  arte como forma de economía  le da o quita valor a la misma? Son dudas que   vienen  a la mente de quien  desea  adquirir una pieza   de arte.

Las empresas y galerías  están en plena construcción de su poderío y egoísmo, es ahí donde el arte se inmiscuye   sin pretensiones, sin más de ser observado por el amarillismo de los números que suben y suben  de ceros hasta volverse  inalcanzable  para el hombre mediático, es ahí  donde    las sanguijuelas  chupa arte, se desviven  por comprar y sostener los precios rentables,  tal vez esto les puede sonar un poco ambiguo, resultando   increíble que alguien  pudiera gastar tanto por una obra contemporánea, pero es así , esto sucede en este mundo globalizado,  tal vez la valoración del arte  tiene que ver con el ansia de  el punto del consumismo actual,  el mercado del arte se convirtió en el carnaval  de los empresarios  por presumir sin concebir el sentido de este mismo,.

               Esta reflexión    acude al  documental  “La Gran Burbuja del Arte Contemporáneo” de Ben Lewis, quien propone   a los artistas  contemporáneos  como  Damian Hirst y Warhol sobrevalorados,   el arte no da más y lo contemporáneo  es una moda que solo los millonarios aluden sus piezas en su tablero  de juego para distraerse y evadir impuestos. La crítica de este hombre es  conmovedora e ilustradora,  la subasta es un tremendo sustituto de  timaciones al arte.

                 ¿Quién ofrece  millones? ¿Quién ofrece su vida por esta crítica que carece de  sentido ante  el mundo contemporáneo? ¿Quién da más? Que se  abra la subasta.

La burbuja del arte contemporáneo:  http://www.youtube.com/watch?v=JZCXp_s8FeY

Por: Brasil Martínez Uvalle

“ENTRE NOSOTROS Y USTEDES”

RETRATO RELACIONAL DE LA FAMILIA

AUTOR: VANESSA SALAS

Ana.- es una pieza parte de la obra de la sinaloense Vanessa Salas expuesta en una vitrina, una bebe a tamaño natural en técnica de bordado con una tela color perla, cuelga de unos delgados hilos, sosteniéndose aparentemente por dos brazos también bordados.

Esta pieza es parte de una obra que en general nos habla de su familia, donde podemos sentirnos inmersos en los sentimientos de el autor, él como muestra su experiencia en sus técnicas, como  el dibujo y el bordado.  Tradicionalista pero a la vez con un toque distinto, un toque que sutilmente como espectador vas paladeando y te causa un exquisito sabor.

En especial esta bebe, Ana un bordado en el cual presenta a su hija recién nacida, donde este choque de contenidos nos confunde y a la vez nos hace reflexionar, nos hace sentir como ese nuevo ser es tan indefenso tan volátil y como pende de hilos delgados y ligeros hilos mostrándonos como esta tan expuesta,  toda una metáfora visual, cautivadora y conmovedora.

Sin duda una pieza que desde un principio conmueve pero que logra interrogar al espectador, un bordado detallado, preciso, en un color que permite el juego de sombras, combinado con el color de los hilos y los brazos que proyecta esa fuerza, esa pasión que Vanessa expresa y nos deja con esa pieza insólita.

 
 

Por: Brasil Martínez Uvalle

SANTOLO

 LLAMARADA (2013)

Dirección: Alejandro García Caballero “MALE”

Un lugar “santo” que se apodera de rezos, llantos, amargos recuerdos y dolorosos adioses. Que al llegar las tardes horas del día, la noche se apodera con su oscuridad de él, el silencio está presente solo el cantar de los grillos parece estar acompañándolo, la tranquilidad y el misterio comienzan a fluir por cada rincón y de pronto…. La fiesta de la vida parece presentarse.

SANTOLO es una animación de equipo LLAMARADA donde utilizando la técnica de video Mapping intervienen directamente sobre las tumbas del Panteón de Dolores, es algo diferente, una animación que nos deja ver como las técnicas nuevas no solo nos proyectan si no que nos introducen en la proyección gracias a sus imágenes sobre superficies reales como son estas lapidas obteniendo efectos de movimiento ó 3D dando lugar a un espectáculo artístico fuera de lo común.

La música de fondo es peculiar, tambores, platillos, guitarra eléctrica, clarinetes y un trombón que parece cantar con una singular mezcla de secuencias electrónicas atraen, parece escuchar una tradicional fiesta en algún barrio mexicano, motiva a sentir el folklor, un sentido de pertenencia, algo que no siempre te causa un panteón.

De pronto es atenuante el ver estos personajes bailando sincronizadamente, saltando, dándole vida a este solitario lugar, donde de pronto los fuegos artificiales se ven, se escuchan y en pequeñas escenas transmiten nuestras tradiciones.

Sin duda alguna es una animación para disfrutar con los sentidos, detallada, rica en contenido, visionaria y con una excelente producción que forma parte de un proyecto  ciudad intervenida, donde completamente logran que el arte se apropie de estos lugares como el panteón de dolores.

http://vimeo.com/72344534

Por: Mara Aide Ayala.

                        

Un día Iba caminando por la plaza expiatorio donde había varios puestos de diseñadores,  y vi  esta muestra de productos de la Guanajuatense  Erika Hernández quien  tiene una marca llamada Titatintero, la cual me encanta, y para ser franca dude en hablar de obras inmersas en objetos para venta, como diseños,  pero como a veces se toman pinturas como parte de  un conjunto para diseño de interiores, sin que la intensión haya sido esa, creo que puede aplicar esto.

 Después de mi justificación, quiero comentar la manera crear de esta mujer, primero hace su obra a lápiz luego la dibuja y pinta, después  las puede presentar como pintura o  también la plasma en algún objeto ya como producto, de la manera que sea realmente me gusta y no creo que le quite credibilidad de una cosa o la otra.

Si hablamos de su obra en general, se nota la sensibilidad con que hace finos trazos en sus obras, maneja la figura de una niña pequeña de ojos intensos, acompañada de animales en postura humana a veces,  distintas miradas en sus representaciones, gran trabajo de sombras y luces, y el uso de los colores en tonos oscuros.

Estas obras nos  hacen alusión a lo que nos disgustaba, lo que no podíamos hacer o lo que podíamos hacer, lo que anhelábamos o imaginábamos de niños. 

 

Por: Mara Aide Ayala.

Título: La caja mágica.

Técnica: Acuarela.

Año: 2011.

Autor: Gerson Grimm.

Cuando vi la obra pasaron dos cosas, primero la vi y la disfrute, después me pregunté ¿qué quiso decir el autor?  A simple vista es una obra con un gran trabajo trazado, en cuestión al buen manejo de líneas, formas, el uso del color, la mancha  y  técnica, la forma agradable de usar  las luces, sombras y el espacio. En cuestión al mensaje de este tipo  de obras que al parecer no te deja una tarea fácil, y eso me encanta, porque hace que te cuestiones y te da la oportunidad de que crees  tu propia respuesta, es muy subjetivo.

Ahora, Si pensamos en el trasfondo de la obra, por el hecho de ser una caja mágica sabemos y podríamos pensar que se refiere a toda esa  incertidumbre de la vida, de las cosas, de absolutamente todo. Siempre es una sorpresa abrir una caja mágica porque puedes encontrarte lo que menos esperas. Éste personaje de apariencia extraña,  muestra que a veces no quisiéramos abrir una caja, o sí, donde podíamos encontrar algo parecido a este ser, en el que lo puedas ver como  rareza, como una porquería, como algo  increíble, con  horribilidad, como algo extraordinario, majestuoso, o  grotesco etcétera, no sé, como lo quieras ver o lo que te toque ver. Al final la caja guarda lo mejor y lo peor de la vida.

Esta  pieza es parte de las pinturas que se reflejan en lo contemporáneo, esto es parte de lo que se hace en nuestra época. Nos guste o no. Este autor crea unas obras dónde aparece un  ente o un personaje con la mezcla de rasgos  humano con cuerpos extraños, deformes no existentes, no humanos, dónde podemos apreciar la esencia de la obra, y pensar, creer o saber que no es comprensible sino sensorial.

Antes la pintura quería ser mundo, ahora solo quiere ser arte,  pero eso lo decides tú.